Editores e Colaboradores : Mauro Nahoum (Mau Nah), José Sá Filho (Sazz), Arlindo Coutinho (Goltinho); David Benechis (Bené-X), José Domingos Raffaelli (Mestre Raf) in memoriam, Luciana Pegorer (PegLu), Luiz Carlos Antunes (Llulla) in memoriam, Ivan Monteiro (I-Vans), Mario Jorge Jacques (MaJor), Gustavo Cunha (Guzz), José Flavio Garcia (JoFla), Alberto Kessel (BKessel), , Gilberto Brasil (BraGil), Reinaldo Figueiredo (Raynaldo), Claudia Fialho (LaClaudia), Marcelo Carvalho (Marcelón), Marcelo Siqueira (Marcelink), Pedro Wahmann (PWham), Nelson Reis (Nels), Pedro Cardoso (o Apóstolo) e Carlos Augusto Tibau (Tibau).

BLOG CRIADO em 10 de maio de 2002

MUSEU DE CERA # 8 - McKINNEY'S COTTON PICKERS

30 novembro 2006

em pé da esquerda para direita: Cuba Austin, Prince Robinson, George Thomas, Don Redman, Dave Wilborn, Todd Rhoades, Bob Escudero, sentados: John Nesbitt, Claude Jones, Milton Senoir, Langston Curl.



William McKinney (*1895 †1969), iniciou a carreira de músico como showman e baterista de circo, após ter servido na 1ª Guerra Mundial. Em 1922 formou o grupo The Synco Jazz Band em Springfield, Ohio. Em 1926 foi contratado por Jean Goldkette para ser a banda residente do Greystone Ballroom de Detroit passando então a se titular como os McKinney's Cotton Pickers.

De grande versatilidade musical misturava comédia com música leve e alguns números de Jazz arranjados pelo trompetista John Nesbitt. Mas a partir de 1927 com o ingresso de Don Redman saxofonista e magnífico arranjador também atuando como diretor musical o grupo se desenvolveu incorporando um estilo próprio bem mais jazzístico.

Somente no verão de 1928 começou a gravar na Victor, transferindo seus grandes sucessos como banda de salão para o disco, sendo então perpetuados. Em 1930 deixou de trabalhar sob os auspícios de Goldkette e saindo de Detroit foi para o Frank Sebastian's Cotton Club em Culver City na California e depois para Kansas City. Algo aconteceu após uma turnê no meio-oeste americano e a banda se dividiu, uma parte com Don Redman e outra mantendo o nome de Cotton Pickers sem McKinney e sob a direção de Benny Carter que acabou saindo em 1932.

McKinney desde então passou a empresariar e gerenciar várias bandas até que em 1943 largou o "music business" para ir trabalhar na fábrica de automóveis Ford em Detroit e por lá ficou até se aposentar ao final dos anos 50. Como vemos McKinney era chegado a coisas inusitadas como também jamais atuar na própria orquestra tendo contratado o baterista Cuba Austin.

De um modo geral a banda era excelente, do mesmo nível de outras como a de Duke Ellington, Fletcher Henderson ou Sam Wooding distinguindo-se pela precisão dos saxes e metais enfatizados pela suingante seção rítmica. Vários músicos de grande qualidade e futuro renome ali atuaram como: Benny Carter (cl, sa), Doc Cheatham (tp), Ed Cuffee (tb), Sidney de Paris (tp), Coleman Hawkins (cl, st), Quentin Jackson (tb), James P. Johnson (pi), Fats Waller (pi), Lonnie Johnson (gt), Claude Jones (tb), Kaiser Marshall (bat), Joe Smith e Rex Stewart (cornet).

Selecionamos o tema Nobody's Sweetheart para mostrar esta magnífica banda em toda sua plenitude apresentando ainda solos de Claude ao trombone, Nesbitt ao trompete e o scat de George Thomas mostrando tudo que aprendeu com Armstrong. Notem o excelente apoio rítmico do banjo e da tuba.

Nobody's Sweetheart (Gus Kahn / Ernie Erdman / Elmer Schoebel / Billy Meyers)
McKinney's Cotton Pickers: Langston Curl, John Nesbitt (tp), Claude Jones (tb), Don Redman (cl, sa), George Thomas (cl, st, vo), Prince Robinson (cl, st), Milton Senior (sa, cl) Todd Rhodes (pi), Dave Wilborn (banjo), Bob Escudero (tu) e Cuba Austin (bat). Arranjo de Don Redman e John Nesbitt. Refrão vocal por George Thomas.
Gravação original: Victor V-38000-B – 12/jul/1928 - Chicago – Fonte: LP - McKinney's Cotton Pickers Vol.1 (1928) – RCA - Black & White Vol.81 (741080) – 1973 – França.
Clicar para ouvir a MÚSICA

ALMOÇO AMANHÃ

Está confirmado o almoço habitual das primeiras sextas de cada mês. Embora não achasse que fosse preciso confirmar, faço-o a pedido do Bené-X.

Para quem quiser aparecer pela primeira vez, o endereço é: Rua da candelária, 9- 13o. andar (edifício da Associação Comercial do RJ), perguntem pela sala do CJUB(!) Agora com vista pra chuva.

E levem aqueles CDs que só vcs tem, para que ouçamos enquanto as idéias fluem.

Até lá. Abraços,

- SY OLIVER, UM DOS MÚSICOS MAIS AMÁVEIS, EDUCADOS E MODESTOS QUE CONHECI -

28 novembro 2006

Para os aficionados e entusiastas das novas gerações recém-inoculados com o micróbio do jazz, provavelmente o nome de Sy Oliver pode ser tão desconhecido e estranho quanto os de Copérnico, Indira Ghandi ou Galileu Galilei. É natural, os jovens e mesmo os não tão jovens recentemente expostos aos sons mágicos da música dos músicos não devem ter a menor idéia de quem se trata.

Sy Oliver (1910-1988) foi um dos mais originais, inovadores e talentosos compositores-arranjadores do jazz das eras pré-swing e swing. Hoje falam e escrevem muito sobre os pioneiros Fletcher Henderson, Jelly Roll Morton, Duke Ellington, Don Redman, Benny Carter e Horace Henderson, porém Sy Oliver, raramente citado, também foi um pioneiro.

Sy Oliver revelou-se no início dos anos 30 como trompetista, compositor, arranjador e ocasionalmente cantor da extraordinária orquestra de Jimmie Lunceford, formação inteiramente marginalizada, esquecida e desconhecida nos dias de hoje. Ele criou o “estilo Lunceford” com suas composições e arranjos inconfundíveis que deixaram a estampa da sua identidade na big band do maestro Lunceford. Como poucos, ele mesclava as diferentes seções melódicas da orquestra alternando-se na criação de passagens realmente originais nas suas brilhantes orquestrações. É suficiente ouvir "For dancers only”, “Swanee River”, “Deep River”, “Margie” e, principalmente, o sensacional “Organ grinder’s swing”, no qual a orquestra reproduz fielmente o som de um realejo (organ grinder significa realejo) e o tropel dos cavalos que puxavam as carroças que transportavam aquela engenhoca musical pelas ruas das cidades americanas.

Anos mais tarde, em 1939, o maestro e trombonista Tommy Dorsey fez uma oferta irrecusável a Sy Oliver para ser o compositor e arranjador exclusivo da sua orquestra. Imediatamente Sy entrou em ação, levando consigo alguns arranjos que escrevera para Lunceford. Com seu toque pessoal e genial, imediatamente modernizou o estilo da orquestra de Dorsey. Mas isto vem sendo devida e exaustivamente dissecado por nosso Mestre MaJor em seus memoráveis escritos.

Tendo iniciado minha vida de jazzófilo ouvindo as grandes bandas da Era do Swing, logo fiquei familiarizado com grande parte delas. Entre muitas outras, na minha preferência também estavam as de Lunceford e Tommy Dorsey, indissoluvelmente ligadas ao assunto deste relato.

Durante anos sonhava um dia encontrar Sy Oliver para conversarmos e obter o máximo de informações possíveis da sua notável carreira. Após anos aguardando essa possibilidade, com o passar do tempo fui perdendo paulatinamente a esperança, pois, todas as vezes que ia a New York, ninguém sabia do paradeiro dele. Conformado, deixei de lado esse sonho aparentemente irrealizável.

Diz um velho ditado que se acreditarmos firmemente num sonho, ele se realizará. E, para minha infinita surpresa, quando nada mais esperava a esse respeito, o ambicionado sonho materializou-se inesperadamente. Aconteceu em julho de 1982, logo depois da eliminação do Brasil pela Itália na Copa do Mundo da Espanha. Caminhava com minha esposa pela 50th Street, em New York, quando, ao passar em frente ao gigantesco Edifício Rockfeller, levei um susto ao ver, junto à porta, um enorme cartaz com os dizeres: “Tonight: the Sy Oliver Orchestra plays in the Rainbow Room Restaurant at 8:30 PM”.
Fiquei alucinado. Era a oportunidade que perseguia há anos. Entrei e o recepcionista informou que os ingressos estavam à venda no saguão do imponente restaurante, no 65º andar. Por sorte minha, havia mesas disponíveis junto ao palco. Imediatamente comprei uma estrategicamente colocada. Desembolsei a bagatela de U$130,00, que incluía o jantar, sentindo-me realizado. Finalmente ia ver, ouvir e falar com Sy Oliver. Minha mulher dizia a todo momento que eu parecia um menino perdido numa fábrica de brinquedos.
Juro que contei as horas antevendo a realização do velho sonho.

Chegamos às 8:00 PM e sentamo-nos na mesa reservada. O Rainbow Room é uma das maravilhas do mundo. Todo envidraçado, em formato circular, proporciona uma visão fabulosa de 360 graus de toda a área da fantástica megalópole. É de tirar a fôlego. Imaginem uma noite de verão sem nevoeiro e toda New York iluminada à sua volta proporcionando um panorama que nunca irei esquecer.

Finalmente chegou a hora. Os músicos tomaram seus lugares no palco e atacaram um blues de Sy Oliver. Na bateria, de cara reconheci o lendário Jimmy Crawford, que tocou com Lunceford, porque ele era sósia do antigo jogador Eli do Amparo, um brucutu que distribuiu botinadas no Vasco e na Seleção Brasileira. Outros conhecidos eram o trompetista Dick Vance e o tenorista Joe Thomas, este ex-sideman de Lunceford. Aí entrou Sy Oliver e atacou “For dancers only”. Fiquei petrificado! Queria que aquele momento se prolongasse por muitos anos. Mas, logo vieram “Margie”, “By the river Saint Marie” e outros temas que eu conhecia desde rapazinho. Aos poucos fiquei totalmente envolvido pela música e agradecia a Deus por me conceder a graça de estar ali.

Após Sy Oliver anunciar o intervalo, levantei-me rápido e convidei-o a vir à nossa mesa. Ele agradeceu e aceitou, porém ia ausentar-se por alguns momentos e voltaria em seguida. De fato, menos de cinco minutos depois estava de volta. Elegante em seu irrepreensível smoking, simpático e bem-falante, ficou surpreso quando eu disse ser brasileiro e que conhecia razoavelmente bem sua carreira, inclusive inúmeras gravações de Lunceford e Tommy Dorsey. Seguiu-se uma agradável conversa em que esse homem amável, inteligente e educadíssimo, sem pretensão alguma em jactar-se da sua trajetória, emocionou-me por sua modéstia e seus valores morais. Raramente encontrei alguém assim. No jazz, somente Dave Brubeck, Lee Konitz, Jim Hall, George Russell, Cannonball Adderley, Jaki Byard, Lester Young, Horace Silver, Dick Katz e talvez mais três ou quatro.

Entre outras revelações, contou-me que Jimmie Lunceford era um homem culto que exigia completa disciplina dos seus músicos, não só profissional como na vida pessoal. Entre suas exigências, Lunceford só contratava músicos que não bebiam e não fumavam. Antes das apresentações ao vivo da orquestra, passava seus integrantes em cuidadosa revista, verificando se os sapatos estavam engraxados, se a camisa estava alva como a neve, se a ponta do lenço branco no bolso superior do paletó era visível somente uma polegada, a medida exata que ele exigia e outros detalhes mais. Eu ouvia tudo fascinado.

A certa altura, perguntou-me se o jazz tinha seu público no Brasil. Foi então que as surpresas aumentaram ainda mais ao mencionar que, no início da década de 30, teve um amigo brasileiro que era pianista e compositor. Perguntei-lhe o nome do amigo. Seguiu-se um diálogo que tentarei reproduzir o mais fielmente possível:

Sy – Chamava-se Fernando Pessoa Cavalcante, era muito talentoso. Tocava piano muito bem e vendeu algumas composições para ganhar dinheiro. Uma delas foi “Dardanella”, que foi um grande sucesso da orquestra de Paul Whiteman. Você o conhece ?

Raf – Não o conheci, mas sei que ele morreu há muitos anos porque sou amigo de um filho dele, que mora em São Paulo. Chama-se José Candido Cavalcante e tocou trombone num conjunto dixieland.

Sy – Lamento saber que Fernando faleceu. Não sabia que tinha um filho, deve ter nascido depois que ele voltou para o Brasil. Lembro muito bem dele.

Nesse momento, ele olhou para o relógio e disse que em cinco minutos voltaria ao palco. Perguntei se incluíra no repertório o clássico “T’Ain’t What To Do”, ao que respondeu que sim.
Pediu licença para retirar-se e, antes de subir ao palco para o segundo set, despediu-se demonstrando sua modéstia virtualmente incomparável, como nunca ouvi de outro ser humano:

Sy – Pode fazer-me uma gentileza quando regressar ao Brasil ? Dê minhas lembranças ao filho do Fernando Pessoa Cavalcante. Mas, por favor, não esqueça que meu nome é Sy Oliver.

Dá pra acreditar ? Nunca vi tanta modéstia. Bolas, passei o tempo todo dizendo quanto admirava o trabalho dele e no final pediu que não esquecesse seu nome!

Encerrando aquela noite inesquecível que tanto me emocionou, Sy dedicou o último número “ao amigo brasileiro José”. Adivinhem qual foi. “T Ain’t What To Do”, com direito àquela memorável batalha de três trombonistas como ouvimos na gravação do próprio Sy Oliver para a Decca, e a coreografia das seções melódicas da orquestra voltando-se alternadamente para a direita e esquerda, produzindo um efeito visual dos mais espetaculares.

Desnecessário dizer que saí do Rainbow Room em estado de graça.
Desculpem a extensão deste relato, que planejava escrever há tempos, mas só hoje criei coragem. Prometo nas próximas ser muito mais lacônico.
Raf

minha homepage: www.bjbear71.com/raffaelli/jose.html

WALTER BOOKER

Alô amigos,
Mestre Raffa também me informou sobre o falecimento do contrabaixista Walter Booker aos 73 anos de idade. O público carioca teve oportunidade de conhecê-lo em duas ocasiões. Em 17 de maio de 1982, no Teatro Municipal, integrando o quarteto do trumpetista Charles Tolliver; e em 2l de outubro de 1987, fazendo parte do trio de acompanhamento de Sarah Vaughn no Hotel Nacional.

NÃO É NADA, NÃO É NADA, É MUITO!!! DAPIEVE!

27 novembro 2006

Temos notado como ultimamente mais e mais cronistas de jornais do Rio que não são aberta e sabidamente jazz enthusiasts, vem escrevendo sobre o assunto.

Agora - o artigo está anexado, cliquem - foi o cada vez melhor Artur Dapieve, que comentou com propriedade, na última sexta, 24/11, o lançamento da série de nove discos lançados na coletânea que celebra os 45 anos da gravadora Impulse!, assunto de que também se ocupou o nosso Mestre LOC em sua coluna da mesma data (e que não consegui trazer graficamente para cá, sinto).

Depois das crônicas recentes de Arnaldo Bloch sobre jazz, no mesmo Segundo Caderno do O Globo, é como um bom vento saber que mais e mais leitores estão tendo chance de tomar contato, mesmo que de forma ligeira, com o universo jazzístico. Mesmo que costumem ainda tender a elitizá-lo em seus textos, permitem assim mesmo algumas espiadas dos leigos absolutos para dentro desta misteriosa caixa preta e mesmo que residualmente, abrem a possibilidade de que esta arte seja compreendida por mais alguns.

Some-se a isso a "vitória" enfim alcançada pelo nosso confrade Raynaldo que, sabe-se-lá-como, conseguiu, no último Tim Festival, ter presentes às apresentações jazzísticas - e olha que em dias diferentes, para não dizer que foram todos lá para ver o H. Hancock - outros três Cassetas, a saber, Hélio de La Peña, Claudio Manoel e Beto Silva. Bela conquista, já que os textos da trupe são historicamente contra o jazz e seus aficionados, sempre taxados de chatos. Sempre achei que, no fundo, era uma maneira deles mexerem com o parceiro baixista, mas acho que estão abrindo os olhos, mesmo que tardiamente. Agora a missão para o próximo ano será desencantar o Marcelo Madureira e levá-lo a qualquer audição de bom jazz. Quem sabe, com a ajuda do Dapieve? (Enquanto isso, Raynaldo, se quiser mandar pra gente alguma daquelas belas charges jazzísticas, a gente publica).

Ao contrário do que pregava o jornalista Ibrahim Sued, que dizia "falem mal, mas falem de mim", o jazz precisa, cada vez mais, que se fale dele. E sempre que possível, bem, muito bem ou maravilhadamente, já que vem "levando tinta" faz tempo.

É mais do que chegada a hora da plena compreensão do que o jazz de fato representa, como arte, como estilo e como fator de desenvolvimento musical.

Daqui meu abraço de agradecimento ao Dapieve, ao Bloch e a (quase) todos os demais jornalistas não especializados que gostam de jazz e abrem espaço em suas colunas para ele.

LEONARDO AMUEDO




Leonardo Amuedo é o nome deste guitarrista uruguaio-carioca que vem roubando a cena pelos palcos onde passa. É fácil encontrá-los nas jams do Quiosque Drink Café, Mistura Fina ou na Moderd Sound, além de sideman do Ivan Lins.
Aqui, ao lado do baixista Daniel Mazza interpretando uma Batida Diferente.

PREMIUM JAZZ

26 novembro 2006



Em uma sessão de 1957 da Count Basie Band, Dickie's Dream, com o chefe no piano, Ben Webster tocando um sax encapetado (e Billie Holliday passeando no set, batendo papo com Basie), Benny Morton, Vic Dickenson e Dickie Wells nos trombones, Gerry Mulligan (bs), Roy Eldridge (tp), e mais Jo Jones na batera, e Freddie Green na guitarra. Há mais dois trompetistas distintos que não são identificados (Mestres, acorrei!).

Muito bom.

A LISTA DE MELHORES DISCOS DA "ALL ABOUT JAZZ"

Poizé. Agora, vem a lista dos cinco melhores discos de cantoras de 2006, elaborada pelos editores da revista All About Jazz, uma espécie de guia mensal do Jazz em New York. A lista saiu em ordem alfabética (faz diferença?):
Fay Claassen, "Sings Two Portraits of Chet Baker" - não sei quem é.
Gal Costa, "Live at the Blue Note" - sei muito bem quem é.
Roberta Gambarini, "Easy to Love" - boa!
Stacey Kent/Jim Tomlinson, "The Lyric" - não ouvi ainda.
Nancy King, "Live at the Jazz Standard" - acho-a chata no geral.

AVE ANITA

25 novembro 2006

Quando morre um parente nosso, a gente fica todo condoído e não titubeia em rezar um Pai-Nosso, uma Ave-Maria. Às vezes, a gente esquece que certas pessoas conviveram com a gente por uma vida embora não sejam parentes. São amigos que a gente nem conheceu pessoalmente, mas ficava alerta a cada novo disco, por um novo deleite. Assim como literalmente chorei a morte de Elis, não posso deixar de me emocionar com esta notícia.

Faço meus os comentários de David Brent Johnson da Rádio WFIU de Bloomington, Indiana:

There are singers you like, singers you respect, singers you admire, and singers that you just love beyond the boundaries of rational discussion (the rational reasons for such love are there -- you just don't need or care to discuss them). There are very, very few vocalists I've loved more than Anita O'Day. I'll be spending a lot of time revisiting the Mosaic set and other albums tonight... RIP and thanks for everything, Miss O'Day. David J. WFIU-Bloomington,IN

-//-

ANITA O'DAYOctober 18, 1919 - November 23, 2006 Jazz vocal legend Anita O'Day passed this morning November 23, 2006 at 6:17 AM in West Los Angeles. The cause of death was cardiac arrest according to her manager Robbie Cavalina.Born Anita Belle Colton in Chicago, Illinois on October 18, 1919, O'Day got her start as a teen. She eventually changed her name to O'Day and in the late 1930's began singing in a jazz club called the Off- Beat, a popular hangout for musicians like band leader and drummer Gene Krupa. In 1941 she joined Krupa's band, and a few weeks later Krupa hired trumpeter Roy Eldridge. O'Day and Eldridge had great chemistry on stage and their duet "Let Me Off Uptown" became a million-dollar-seller, boosting the popularity of the Krupa band. Also that year, "Down Beat" magazine named O'Day "New Star of the Year" and, in 1942, she was selected as one of the top five big band singers. After her stint with, Krupa, O'Day joined Stan Kenton's band. She left the band after a year and returned to Krupa. Singer Jackie Cain remembers the first time she saw O'Day with the Krupa band. "I was really impressed," she recalls, "She (O'Day) sang with a jazz feel, and that was kind of fresh and new at the time." Later, O'Day joined Stan Kenton's band with whom she cut an album that featured the hit tune "And Her Tears Flowed Like Wine" In the late'40s, O'Day struck out on her own. She teamed up with drummer John Poole, with whom she played for the next 32 years. Her album "Anita", which she recorded on producer Norman Granz's new Verve label, elevated her career to new heights. She began performing in festivals and concerts with such illustrious musicians as Louis Armstrong, Dinah Washington, Georg Shearing and Thelonious Monk. O'Day also appeared in the documentary filmed at the Newport Jazz Festival in 1958 called "Jazz on a Summer Day", which made her an international star. Throughout the '60s Anita continued to tour and record while addicted to heroin and in 1969 she nearly died from an overdose. O'Day eventually beat her addiction and returned to work. In 1981 she published her autobiography "High Times, Hard Times" which, among other things, talked candidly about her drug addiction. Her final recording was "Indestructible Anita O'Day" and featured Eddie Locke, Chip Jackson, Roswell Rudd, Lafayette Harris, Tommy Morimoto and the great Joe Wider. A documentary, "ANITA O'DAY - THE LIFE OF A JAZZ SINGER" will be released in 2007.

The Jezebel of Jazz,' Anita O'Day, Dies of Pneumonia at 87by Adam BernsteinWashington Post, November 24, 2007Anita O'Day, 87, whose breathy voice and witty improvisation made her one of the most dazzling jazz singers of the last century and whose sex appeal and drug addiction earned her the nickname "the Jezebel of Jazz," died of pneumonia Nov. 23 at a convalescent hospital in West Los Angeles.Ms. O'Day led one of the roughest lives in jazz, possibly surpassed only by her idol, Billie Holiday. Impoverished and largely abandoned in childhood, she became a marathon dancer and changed her surname from Colton to O'Day, pig Latin for "dough," slang for money.Over a five-decade career, a mental breakdown, a rape, numerous abortions, a 14-year addiction to heroin and time in jail all contributed to her legend as a survivor. Her 1981 as-told-to autobiography was appropriately titled "High Times, Hard Times."However, as a singer she soared. Jazz writer Nat Hentoff declared her "the most authentically hot jazz singer of all."In the 1940s, when most "girl singers" were pert appendages to a featured band, Ms. O'Day was a star attraction who often enlivened the orchestra with her playful and inspired vocals. She said she saw herself as an instrumentalist and often wore a band uniform instead of an evening gown.She was among the hippest female singers of the big-band period, lending rare emotional resonance to the relentlessly up-tempo and brassy big bands of Gene Krupa and Stan Kenton. She gave both orchestras their first million-selling hits, doing a rare interracial duet on "Let Me Off Uptown" with Krupa trumpeter Roy Eldridge and then the novelty number "And Her Tears Flowed Like Wine" with Kenton's ensemble.For Verve records in the 1950s, she performed some of the most inventive interpretations of jazz standards. Andy Razaf, who wrote the words to Fats Waller's "Honeysuckle Rose," once said hers was the definitive version of the tune -- surpassing even Waller's recording.Ms. O'Day was sometimes compared to Holiday, with whom she shared a tendency to project vulnerability through a calculated crack in her tone. She also was highly regarded for her scat singing.Her signature sound created an elasticity with words, often breaking them into faster eighth and sixteenth notes instead of quarter notes, which were harder for her to sustain. This tendency was a result of a childhood tonsillectomy in which the doctor accidentally removed her uvula, the bit of flesh in the throat whose vibrations control tone.To compensate, she would playfully stretch single-syllable words; "you" would be "you-ew-ew-ew," love would became "lah-uh-uh-uv.""When you haven't got that much voice, you have to use all the cracks and crevices and the black and the white keys," she once said.Ms. O'Day was born Anita Belle Colton in Chicago on Oct. 18, 1919. Her father was a printer, and her mother worked at a meat-packing plant.In the mid-1930s, she dropped out of school and hitchhiked to Muskegon, Mich., to enter a walkathon, one of the Depression-era crazes in which contestants were fed in exchange for brutal entertainment.After some singing experience, she won a positive review in Down Beat magazine while performing in a downtown Chicago club with Max Miller's band. Krupa hired her and Eldridge in 1941. The jazz writer Will Friedwald noted that the new additions "galvanized the Krupa men and positively transformed the band into one of the most powerful bands of the great era, putting it in a class with Ellington, Basie, Goodman and Dorsey."Her first million-selling record -- and best-known early recording -- "Let Me Off Uptown" paired O'Day's sultry vocalizing with Eldridge's raspy voice and roaring trumpet. The flirting between the white O'Day and black Eldridge was groundbreaking. "Do you feel the heat?" she asks Eldridge before instructing him to "blow, Roy, blow!"Besides Krupa's group, she also spent shorter and less-enjoyable stints with Woody Herman and Kenton, whose intellectual, "modern" sound did not mesh with her accent on easy swing.The relentless performing on tour triggered a nervous breakdown, and over the next decade, she was jailed for marijuana and heroin possession.She downplayed her arrests, writing in her autobiography that she "looked on serving my sentences as a kind of vacation.... Rehabilitated? Hardly. Rested? Definitely."In 1956, she was signed by Norman Granz's Verve records, and the nearly 20 albums she put out during the next decade were among her most tantalizing, including "Anita" (with "Honeysuckle Rose"), "Pick Yourself Up," "Anita O'Day Swings Cole Porter," "Waiter, Make Mine Blues," "All the Sad Young Men" and "Travelin' Light."She also played with Benny Goodman (who in the early 1940s refused to hire her because she was not disciplined enough to stick to a music chart), Stan Getz, Dave Brubeck, Count Basie, Louis Armstrong, Lionel Hampton, Joe Williams and Oscar Peterson.She had a 32-year musical association with drummer John Poole, who she said introduced her to heroin.Her vibrant appearance in the 1959 documentary "Jazz on a Summer's Day," a film about the 1958 Newport Jazz Festival, made her an international celebrity and brought her important dates in Japan and England.Then, in 1966, she nearly died of a heroin overdose in a bathroom in a Los Angeles office building. The experience rattled her, and she quit heroin at once. Most of her money gone, she spent the rest of her life struggling financially.In the early 1970s, she was living in a $3-a-night hotel in Los Angeles but she revived her career over the next decade, culminating in a profile of her on the CBS newsmagazine "60 Minutes."She received her first Grammy nomination in 1990 for "In a Mellow Tone" and was given an American Jazz Masters award in 1997 by the National Endowment for the Arts.When interviewed, her voice indicated an unyielding distress and frequent irritation. She told a reporter that alcohol provided a welcome relief for her at the end of the day. In 1996, permanent alcoholic dementia was diagnosed.She played jazz dates until late in life -- with embarrassing results as her frailties overtook her talent. But she was to be honored in March 2007 as one of the "living legends" of jazz as part of the Kennedy Center's Jazz in Our Time festival.Her marriage to drummer Don Carter, which she said was never consummated, was annulled. A marriage to golfer Carl Hoff, whom she called unfaithful, ended in divorce.She said she never wanted children, telling People magazine, "Ethel Kennedy dropped 11. There are enough people in the world. I did my part by raising dogs."She dedicated her autobiography to her dog.

Anita O'Day, 87, Big Voice from Big-Band Era, Diesby Dennis McLellanLos Angeles Times, November 24, 2006Anita O'Day, who shot to fame as a singer with drummer Gene Krupa's swing band in the early 1940s and became one of the most distinctive voices in the history of jazz, died Thursday. She was 87.O'Day died of cardiac arrest in a convalescent hospital in West Los Angeles, according to her manager, Robbie Cavalina. She had been in declining health battling Alzheimer's and had a recent bout with pneumonia.Known as hip-talking, blunt and feisty, O'Day launched her career as a teenager while competing on the Depression-era Walkathon circuit. She was still a relatively unknown singer in jazz joints in her native Chicago when Krupa hired her as his $40-a-week vocalist in 1941.She was born Anita Belle Colton in Chicago on Dec. 18, 1919. Her father left when she was 1 year old; her mother, whom O'Day portrayed in her book as cold and indifferent, worked in a meat-packing plant.An only child, O'Day began singing as a young girl in church during summer visits to her grandparents in Kansas City.She left home at 14 and, with her mother's approval, hitchhiked to Muskegon, Mich., to enter a Walkathon, a 24-hour-a-day endurance contest similar to the dance marathons that were the rage with out-of-work Americans during the Depression.O'Day then began traveling in the Midwest as a professional Walkathon contestant. "I got fed seven times a day and I was having a ball," she told People magazine in 1989. "When you are 14, you don't hurt."She made extra money singing, dancing and selling pictures of her and her partner. During this time she changed her name to "O'Day," which she later explained was pig Latin for the "dough" she hoped to make.O'Day, who once logged 97 straight days walking, spent two years on the circuit before a truant officer caught up with her and forced her to return home to finish school.She went to school during the day, but nights she began singing in taverns in the Uptown area of Chicago's North Side. In 1939, she was hired to sing at the Off-Beat Club in downtown Chicago. At the end of her debut five-song set, she received a standing ovation."People shouted, stamped, applauded, whistled, stood on their chairs and cheered," she wrote in her autobiography. "It was the response you dream about... I was a success beyond my wildest expectations... I wasn't just the toast of Chicago nightlife; I was the toast of all the hep... musicians and hepcats in the city."Billed as the "Jezebel of Jazz" a decade later, O'Day titled her 1981 autobiography "High Times, Hard Times." In it, she described a life that included back-room abortions, a nervous breakdown, two failed marriages, jail time for drug possession and more than a decade-long addiction to heroin that nearly killed her with an overdose in 1966."She was a wild chick, all right, but how she could sing!" Krupa once said.O'Day sang with what jazz critic Leonard Feather described as a "note-breaking, horn-like style and hip, husky sound."As a result of having her uvula (the small, fleshy part of the soft palate that hangs down above the back of the tongue) accidentally cut off by a doctor during a tonsillectomy at age 7, O'Day had no vibrato and was unable to hold notes."I'm not a singer; I'm a song stylist," O'Day said in a 1989 interview with The New York Times. "I'm not a singer because I have no vibrato.... If I want one, I have to shake my head to get it. That's why I sing so many notes -- so you won't hear that I haven't got one. It's how I got my style."O'Day scored one of the Krupa's band's greatest hits with "Let Me Off Uptown," with trumpeter Roy Eldridge, in 1941. It featured Eldridge's memorable plea, "Anita, oh Anita!... say, I feel somethin'!" before he launched into an electrifying solo passage.Named "New Star of the Year" by Down Beat magazine, O'Day went on to amass other hits with the Krupa band, including "Alreet," "Kick It," and "Bolero at the Savoy."In his book "The Big Bands," George T. Simon wrote that O'Day's "rhythmic, gutty, illegitimate style first confused but soon converted many listeners. Whereas most band girl singers had projected a very feminine or at least cute girl image, Anita came across strictly as a hip jazz musician."Indeed, O'Day even set a style for female band singers by wearing a band jacket, skirt and shirt instead of a gown on stage during long road trips.After leaving Krupa, O'Day was a vocalist with Stan Kenton's band from 1944 to '45; her most popular recording with Kenton was the million-selling "And Her Tears Flowed Like Wine."In 1945, Down Beat named O'Day "Top Girl Band Vocalist," and 22 jazz critics voted her "Outstanding New Star" in an Esquire magazine poll.In the early '50s, she recorded on jazz impresario Norman Granz's Clef and Norgran labels and, beginning in the mid-1950s, she recorded a series of well-received albums for Granz's Verve label, including "Anita" (1955), "Pick Yourself Up" (1956), "Anita O'Day Sings the Winners" (1958), "Cool Heat" (1959) and "All the Sad Young Men" (1961).A memorable appearance at the 1958 Newport Jazz Festival, in which she sang nine songs, was captured in photographer Bert Stern's documentary "Jazz on a Summer's Day." The documentary, which spotlighted O'Day singing "Tea for Two" as a fast tune and also "Sweet Georgia Brown," added to her stature as a jazz legend, made her a star in Japan and paved the way for international tours.At the time of her triumphant Newport Jazz Festival appearance, O'Day was well into her 14-year addiction to heroin.As a band singer, she said in a 1973 Los Angeles Times interview, "The narcotics thing was just there. It was what was happening. Kept me in and out of trouble for 20 years; cost me a couple of very nice houses, the Jaguar, the self-respect, everything. I got busted the first time for marijuana and served 45 days. Next time was for pot again -- I got 90 days, but they gave me 45 off for good behavior. These were misdemeanors."But the third time around, I got busted for heroin. That was a bum rap -- a musician set me up for it. He was able to keep out of trouble by turning someone else in every so often. They put me in jail for six months. Well, I figured I had the name, I might as well play the game. So when I got out, I decided to try it. It's like quicksand -- you never get out."After a near-fatal overdose in Los Angeles in 1966, she kicked her heroin habit cold-turkey, although she turned to alcohol.O'Day, who continued singing into her 80s, was married in her early years to musician Don Carter and golfer and businessman Carl Hoff. The marriage to Carter was annulled, and the marriage to Hoff ended in divorce.She leaves no immediate survivors.

Here are four mp3 audio files that you can download of Anita's appearance on Art Ford's Jazz Party. Taped during the week of an engagement at the Village Vanguard in 1958, this is prime Anita, and is the complete broadcast that is excerpted on the Sunday Night clip on YouTube. Anita sings Body And Soul, Tea For Two, and Let's Fall In Love.

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O'DAY & ELDRIGE, CHEZ KRUPA - THANKS FOR THE BOOGIE RIDE

MORRE A GRANDE LETRISTA BETTY COMDEM

Puxa, o que está havendo? Parece que todo o nosso patrimônio musical está se esvaindo.
Vc sabe quem é Betty Comdem? Reconheça no texto abaixo algumas das músicas que ela escreveu em parceria com Jule Styne e Adolph Green!
- 'Just in Time' ... I found you just in time, before you came my time e was running low ...
- 'New York! New York!' - it's a hell of a town ... - 'Isn't It Romantic' - 'The Party's Over' - ... the candle's flicker and dim ...

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Betty Comden, Lyricist for Musicals, Dies at 89 by Robert Berkvist - New York Times, November 23, 2006 - Betty Comden, who with her longtime collaborator Adolph Green wrote the lyrics and often the librettos for some of the most celebrated musicals of stage and screen, died today at New York-Presbyterian Hospital. She was 89 and lived in Manhattan. The cause was heart failure, said Ronald Konecky, her lawyer and the executor of her estate.During a professional partnership that lasted for more than 60 years, and which finally ended with Mr. Green's death in 2002, the Comden-Green blend of sophisticated wit and musical know-how lit up stage shows like "On the Town," "Wonderful Town," "Peter Pan" and "Bells Are Ringing." Their Hollywood credits included the screenplays for two landmark film musicals, "Singin' in the Rain" and "The Band Wagon."Through the years, they worked with composers like Leonard Bernstein, Cy Coleman, Jule Styne and André Previn, creating songs like "New York, New York," "The Party's Over," "It's Love" and "Some Other Time." They were adept at making their lyrics fit the mood, whether it was rueful ("Lonely Town"), raucous ("100 Easy Ways to Lose a Man") or romantic ("Just in Time"). The title of one of their own songs, from "Bells Are Ringing," summed up their joint career: it was truly a "Perfect Relationship" in which they met daily, most often Ms. Comden's living room, either to work on a show, to trade ideas or even just talk about the weather."We stare at each other," Ms. Comden said in a 1977 interview with The New York Times. "We meet, whether or not we have a project, just to keep up a continuity of working. There are long periods when nothing happens, and it's just boring and disheartening. But we have a theory that nothing's wasted, even those long days of staring at one another. You sort of have to believe that, don't you? That you had to go through all that to get to the day when something did happen." Ms. Comden, slim, dark-haired and composed, was the ideal counterbalance to the often rumpled, wild-haired and restless Mr. Green. Sometimes, during discussions, Ms. Comden would finish one of his sentences, or vice versa. Songs and shows grew that way, too, although the story was always the starting point."The book comes first," Ms. Comden said in the 1977 interview, recalling how the song "Just in Time" took shape. "At some point when we were working on 'Bells Are Ringing,'" she said, "Jule Styne wrote that tune. Dee da dum, da dee da dee da dum. We all agreed it had to be in the show somewhere, but for months we couldn't find a place for it, or even a title, but Jule was playing it all over town at parties, calling it 'Dee Da Dum.' And that became the official title until the point where, rewriting part of the book one day, the situation was there, and we finally wrote the words to fit 'Dee Da Dum.'"The starting point for their partnership was Greenwich Village where, in the late 1930s, they joined up with another aspiring entertainer named Judy Holliday and two other friends to form a cabaret act. They called themselves the Revuers and persuaded Max Gordon, the owner of a club called the Village Vanguard, that their act would be good for business. It was. The Revuers opened at the Vanguard in 1939, performing material that included freewheeling sketches like "The Banshi Sisters" and "The Baroness Bazuka," a zany operetta, and frequently accompanied at the piano by one of Mr. Green's friends, a talented young musician named Leonard Bernstein, who dropped in often enough to be taken for part of their act.The act's success earned them a movie offer and the Revuers traveled west in hopes of finding instant fame in "Greenwich Village," a 1944 movie starring Carmen Miranda and Don Ameche in which the newcomers turned out to be virtually invisible. Ms. Comden and Mr. Green came back to New York, where they resumed working at the Vanguard and other clubs. It was not long before they heard from their erstwhile accompanist Leonard Bernstein, who said he had been working on a ballet with Jerome Robbins and that the two of them had decided that the ballet, called "Fancy Free," had the makings of a Broadway show. They were looking for someone to write the book and lyrics. Ms. Comden and Mr. Green jumped at the chance and jumped into the limelight with their work on the show. The result, "On the Town," the story of three sailors on shore leave in New York, opened late in 1944 and was a smash. Both Ms. Comden and Mr. Green appeared in the show, he as one of the sailors and she as Claire de Loone, an amorous anthropologist. New Yorkers inside and outside the theater were soon humming the town's geography à la Comden and Green:The Bronx is up and the Battery's down,The people ride in a hole in the ground,New York, New York,It's a helluva town.Ms. Comden and Mr. Green were definitely on their way up, not to the Bronx but to big-time success.Betty Comden was born Elizabeth Cohen on May 3, 1917 in Brooklyn. Her father, Leo, was a lawyer, her mother, Rebecca, a teacher. She attended Erasmus Hall High School and studied drama at New York University, graduating in 1938. By that time, she had changed her surname to Comden, had had nose surgery to make her look more stageworthy, had acted with the Washington Square Players and had met and become friends with Mr. Green, another aspiring actor. Their circle soon included three other would-be entertainers, Ms. Holliday, Alvin Hammer and John Frank. Then came their decision to form the Revuers, and all else followed.Ms. Comden married Steven Kyle, a designer and businessman, in 1942. He died in 1979 and she never remarried. They had two children, a daughter, Susanna, and a son, Alan. Their son, a drug addict, contracted AIDS and died of complications of his addiction in 1990. She is survived by her daughter, Susanna Kyle, of Manhattan.Ms. Comden reminisced about her Brooklyn childhood, her student years and her long marriage in a 1995 memoir, "Off Stage," in which she also told of the difficult circumstances of her son's struggle with drugs. The book included tributes to some of her friends and colleagues, among them Mr. Bernstein and Lauren Bacall, but hardly dealt at all with her professional life. After the success of "On the Town," Ms. Comden and Mr. Green tried their hand at writing the book for another Broadway musical. "Billion Dollar Baby," which opened in 1945, had a score by Morton Gould, choreography by Mr. Robbins and was directed by George Abbott, but it was not as well-received.Hollywood called again and this time, for the most part, they had better luck. "Good News" (1947), with June Allyson and Peter Lawford as singing, dancing campus sweethearts, was their first screenplay. They wrote "The Barkleys of Broadway" (1949), which marked the film reunion of Ginger Rogers and Fred Astaire, and adapted "On the Town" (1949) for the screen, with Gene Kelly, Frank Sinatra and Jules Munshin as the freewheeling sailors navigating the streets of New York. They contributed heavily to the success of "The Band Wagon" (1953), the Vincente Minnelli musical for which they wrote the witty screenplay. The film had a score by Howard Dietz and Arthur Schwartz and starred Mr. Astaire, Cyd Charisse, Oscar Levant and Nanette Fabray. The Comden-Green screenplay received an Academy Award nomination.They were still wedded to Broadway, however, and their stage work during the next few years included the Jule Styne musical "Two on the Aisle" (1951), a revue with Bert Lahr and Dolores Gray; "Wonderful Town" (1953), an adaptation of the 1939 comedy hit "My Sister Eileen," with music by Mr. Bernstein and starring Rosalind Russell and Edie Adams as two sisters from Ohio trying to make it in the Big Town; and, most notably, "Bells Are Ringing."That 1956 musical reunited them with Ms. Holliday, who headed the cast as an operator at an answering service who falls in love with one of the service's male clients (Sydney Chaplin), after listening to his voice over her telephone line. The score included the comic lament "I'm Going Back (To the Bonjour Tristesse Brassiere Company)" as well as some songs that became part of the standard pop repertory, like "Just in Time," "Long Before I Knew You" and "The Party's Over," which ended with the melancholy verse: Now you must wake upAll dreams must endTake off your make-upThe party's overIt's all over, my friend.Ms. Comden and Mr. Green also wrote the screenplay for the 1960 film version, which starred Ms. Holliday.Even their less successful shows yielded musical nuggets, one example being the 1960 "Do Re Mi," which had a book by Garson Kanin, music by Mr. Styne for which they wrote the lyrics, and which featured Phil Silvers and Nancy Walker. That largely unmemorable score included one gem, "Make Someone Happy."Ms. Comden and Mr. Green went on to write "Subways Are for Sleeping" (1961), with Carol Lawrence and Mr. Chaplin, and "Fade Out-Fade In" (1964), with Carol Burnett and Jack Cassidy, both shows with music by Mr. Styne; the lyrics for "Hallelujah, Baby" (1968), which had music by Mr. Styne, a book by Arthur Laurents and which starred Leslie Uggams and Robert Hooks, and then wrote the book for "Applause" (1970). Adapted from the film "All About Eve," with music by Charles Strouse and lyrics by Lee Adams, the show starred Lauren Bacall as the take-no-prisoners movie queen Margo Channing played by Bette Davis in the film.In the years that followed they teamed up with the composer Cy Coleman for "On the Twentieth Century" (1978), based on the Ben Hecht-Charles MacArthur play about a flamboyant movie producer (John Cullum) and his leading lady (Madeline Kahn), traveling from Hollywood to Broadway on the Twentieth-Century Limited in the 1930s. The show was a hit and brought them Tony Awards for their book and score. In 1982 they wrote the book and lyrics -- Larry Grossman wrote the music -- for what was meant to be a kind of musical sequel to Ibsen's "A Doll's House," but the result, "A Doll's Life" (1982), was a four-performance disaster.Their last major Broadway show was "The Will Rogers Follies," a 1991 Ziegfeld-style extravaganza with music by Mr. Coleman, book by Peter Stone and direction and choreography by Tommy Tune. Keith Carradine starred as the folksy humorist-philosopher. Despite mixed reviews the show won six Tony Awards, including one for the music and lyrics, and enjoyed a run of two and a half years. By the time "Will Rogers" came along, Ms. Comden and Mr. Green had worked together for more than a half-century. On Broadway, starting with "On the Town" in 1944, they had won a shelf full of Tony Awards. In 1991 they were among the recipients of that year's Kennedy Center honors for their contributions to American musical theater.Their early Hollywood credits included "Take Me Out to the Ball Game" (1949), with Gene Kelly, Frank Sinatra and Esther Williams, and "It's Always Fair Weather" (1955), with Mr. Kelly, Dan Dailey, Michael Kidd and Ms. Charisse, for which their screenplay received an Academy Award nomination. A bittersweet sequel of sorts to "On the Town," the plot of "It's Always Fair Weather" revolved around the reunion a decade after World War II of three former G.I. companions who find that time has altered their friendship for the worse. "I don't think there's ever been a musical quite like it," Ms. Comden said in a 1999 interview with The Times. "The corrosive effect that time has on friendships -- that's a very unusual subject for a musical." She and Mr. Green said it was one of their favorites.After their stage debut in "On the Town," they didn't perform on Broadway again until 1958, when they appeared in "A Party with Betty Comden and Adolph Green," a revue that included some of their early favorites like "The Baroness Bazuka," which they described as a tribute to the Shubert brothers ("J. J., O. O., and Uh-Uh."). The revue was well received and they brought an updated version back to Broadway in 1977.Ms. Comden also performed in films from time to time. She acted in Sidney Lumet's "Garbo Talks" (1984), in which Mr. Green also made a fleeting appearance, and James Ivory's "Slaves of New York" (1984). She appeared on stage in 1983 in a rare dramatic role in Wendy Wasserstein's "Isn't It Romantic," playing the mother of a footloose girl waiting for Mr. Right to come along.In 1999 Ms. Comden and Mr. Green were saluted by their peers in a two-night program at Carnegie Hall. Elaine Stritch and Brian Stokes Mitchell were among the performers who sang numbers from the Comden-Green repertoire. Recent Broadway revivals of their work included a 2001 production of "Bells Are Ringing" starring Faith Prince, which closed after a brief run, and the 2003 revival of "Wonderful Town" with Donna Murphy, which settled in for a long stay at the Al Hirschfeld Theater.After Mr. Green's death in October 2002, Broadway turned out in force two months later for a memorial program at the Shubert Theater. Kevin Kline, Joel Grey, Ms. Bacall and others paid affectionate tribute to Mr. Green in song and story. At one point during her own reminiscence about Mr. Green, Ms. Comden paused and said to the audience, "It's lonely up here." After six decades, the perfect relationship was over.

HOMENAGEM A ANITA O' DAY

24 novembro 2006

Um exemplo de técnica adequada e suficiente a que se propõe o talento. Anita, com a extensão de voz um tanto limitada, possuía um magnífico charme ao cantar. Adepta do scat singing com muita habilidade, sem exageros, divisão perfeita, modulação elegante e com soberbo senso de fraseado que lhe permitia improvisar com facilidade, enfim uma jazzísta de primeira. Deixará muitas saudades.
Podemos ouví-la em um clássico de Richard Rodges e Lorenz Hart, inteiramente em scat onde mostra aquilo que exaltamos acima -Slaugther on 10th Avenue - com a fantástica Bill Holman's Orchestra:

Bill Holman (st, arranjo e líder), Conte Condoli, Al Porcino, Ray Triscari, Stu Williamson (tp), Bob Edmonson, Lew McCreary, Frank Rosolino (tb), Kenny Shroyer (bass tb), Charlie Kennedy, Joe Maini (sa), Richie Kamuca, Bill Perkins (st), Jack Nimitz (sb), Lou Levy (pi), Al Hendrickson (gt), Joe Mondragon (bx), Mel Lewis (bat). Gravação: 23/agosto/1960 – Hollywood - Fonte: CD - Incomparable! Anita O'Day - Verve V6-8572 (314 589 516-2)

Clicar para ouvir - MÚSICA


Peço vênia ao Mestre MaJor para, intrometendo-me em outro de seus sempre ótimos posts, diponibilizar esta versão de Anita, de Sweet Georgia Brown, no Festival de Newport de 1958. Mau Nah

PARKER & LAFARO




São 45 anos com os ouvidos ligados, conectados ao jazz. Tudo começou via TV, seriado Peter Gunn(1958/61), minha primeira informação sobre o assunto. Graig Stevens, que fazia o papel principal, tinha uma namorada linda, cantora de um bar. A música era do Mancini. Sempre no inicio ou final de um capítulo havia espaço para uma canja do pequeno grupo e a voz de Lola Albright, que fazia o papel da “crooner”. Se não era jazz de primeiro escalão, tinha conseguido me fascinar. Logo vieram os Brubecks, Petersons, Gillespies, Coltranes e etc. Nunca me preocupei em estudar a matéria, o início de tudo. Sabia da importância de um Armstrong, Ellington, Kenton e tantos outros craques anteriores. Tinha apenas sede de ouvir o jazz que se fazia na época. Depois de toda essa trajetória e metodologia, do nada, cheguei a uma conclusão sobre quais seriam na minha opinião os dois mais significativos instrumentistas até hoje. Demorei para chegar aos nomes. Hoje tenho a coragem de revelar: Charlie Parker e Scott LaFaro.
Há algumas coincidências entre os dois. Morreram cedo (Parker, 34, e LaFaro, 25).
Os dois revolucionaram seus instrumentos, deixando uma escola até hoje inigualável.
Possuíam técnica incomum para a época. Se Parker não chegou a ouvir LaFaro, este, pelo estilo e arrojo, ouviu “Bird”. Se Parker continuasse vivo, não existiria outro para enfrentá-lo. O mesmo em relação a LaFaro. Gary Peacock e Eddie Gomez bem que tentaram. Mingus não tinha igual senso de improvisação, muito menos Carter - as frases ao mesmo tempo líricas e complexas. Qualquer contrabaixista moderno nada acrescenta ao que LaFaro fez na antológica noite de domingo no Village Vanguard com Bill Evans e Paul Motian, 11 dias antes de morrer em acidente de carro. Quem ouvir aquelas gravações com o cuidado que merecem, perceberão um Evans coadjuvante. Se Brian Bromberg é tido pelos músicos americanos como a fera atual do baixo acústico, ele é ainda apenas afluente de LaFaro. A concepção é a mesma, assim como a de Gomez e Peacock .
Quanto a “Bird”, tudo igual. Nenhum outro saxofonista atinge o mesmo vigor e espontaneidade do improvisador. Meio século e ninguém passa perto. Parker era capaz de criar climas mirabolantes em poucos segundos de solo. Coltrane, tal como Miles, optou por uma linguagem paralela, movida à emoção. Não havia (e não há) como seguir os passos de Parker. Quem quiser, vai quebrar a cara (Cafiso??).
Não achei outro nome com os mesmos atributos - procurei músicos que fizeram escola e que se ainda vivos fossem atuais em seus instrumentos. Pensei em Bud Powell, mas falharia na técnica. O mesmo em relação a Monk . Pensei em Ellington, Coltrane, Miles, Gillespie, Dolphy.........Bill Evans jamais teve "swing". Quem poderia ser esse terceiro, quarto, quinto...? Peço ajuda aos cejubianos, advertindo que Parker e LaFaro são escolhas apenas pessoais. E só me refiro aos instrumentistas.

PS. Charles Parker, Jr morreu em 1955. Rocco Scott LaFaro, em 1961

ANITA O'DAY

Amigos,
Mestre Raffa me passou email informando sobre o passamento da cantora
Anita O'Day ocorrido ontem. Foi vítima de uma pneumonia tendo falecido aos 87 anos.
Uma das remasnecentes da era do Swing, quando começou como "lady crooner" da banda de Gene Krupa. Em carreira solo gravou uma série de álbuns espetaculares sempre acompanhada por grandes orquestras como as de Billy May, Jack Shelodon, Buddy Bregman,Marty Paich,Russ Garcia e outros. Seu álbum com o trio de Oscar Peterson é referência na história do Jazz vocal. R.I.P.
llulla

- HOMENAGEM PÓSTUMA A MOACIR SANTOS -

Realizou-se terça-feira última, dia 21 de novembro, na Casa França-Brasil, uma homenagem póstuma a Moacir Santos - um dos maiores compositores e arranjadores brasileiros de todos os tempos - premiando o conjunto da sua obra. O evento, patrocinado pela Shell, contou com as presenças da esposa e do filho do maestro.

A Orquestra Ouro Negro abrilhantou a cerimônia tocando as composições do saudoso maestro. Gostaria muito de ter assistido, mas não fui convidado. Segundo relatou em seu blog o meu amigo Antonio Carlos Miguel, presente ao evento, “parece que a Shell, que banca a festa da entrega de seu prêmio de música pelo conjunto de obra, regulou os convites - muitos músicos da banda não puderam levar seus amigos e familiares - a gente mesmo tinha um monte de amigos que adoraria estar ali”.

Acompanhei a carreira de Moacir Santos desde sua chegada ao Rio há “alguns séculos”. Bonachão e sempre bem-humorado, tudo estava bem para ele. Várias vezes ele tocou sax-tenor em jam sessions que organizei juntamente com alguns amigos jazzófilos. Bons tempos em que as jams eram freqüentes e apareciam dezenas de músicos sedentos para tocar jazz.

Devemos exaltar o entusiástico trabalho do violonista Mario Adnet e do saxofonista Zé Nogueira, que organizaram a Orquestra Ouro Negro para manter viva a obra monumental do maestro. Esse esforço e tenacidade da dupla, inclusive gravando três CDs com várias composições dele, abriu as portas para as novas gerações conhecerem sua obra imortal.

Aproveito para relatar um fato pitoresco da minha vida - no mínimo insólito - ligado ao saudoso maestro. Há anos escrevi no Jornal do Brasil uma resenha altamente favorável sobre o clássico disco "Coisas", de Moacir Santos, lançado pelo selo Forma. Dias depois, eu e Moacir fomos acusados pelo xenófobo crítico José Ramos Tinhorão, nas páginas do mesmo jornal, de "traidores da música brasileira vendidos ao imperialismo americano". Chega a ser cômico de tão ridículo, não acham ? Até que seria uma boa caso o governo americano me destinasse uns trocados cada vez que escrevi sobre jazz – juro que teria ficado rico, pois foram milhares de vezes!

Perguntar não ofende: será que o governo brasileiro pagava ao trêfego crítico para defender a MPB contra "jornalistas vendidos ao imperialismo americano"?

MANFREDO FEST

23 novembro 2006

Pianista, compositor e arranjador do qual já tinha pensado em rabiscar a respeito, continuando assim a serie desse meu instrumento favorito, sendo o que deu mais enfase e entusiasmo para tal foi o bom "dvd" (produção inglesa???), que me foi presenteado pelo novo confrade Carlos Montes (e já emprestado ao Benex), que é uma apresentação do Manfredo nos E.U.A., em duo com o baixista Brian Torff, que não comentarei agora.
Pois é, esse extraordinário pianista de descendencia germânica, cego mas que aprendeu a ler partituras em braile, pouco conhecido da grande maioria, começou por Porto Alegre onde nasceu, passando por Rio e São Paulo quase sempre com seu trio e chegando aos E.U.A. (onde faleceu do coração aos 63 anos), para onde foi levado nos anos 60 por Sergio Mendes para participar do "Bossa Rio", grupo no qual atuavam Pery Ribeiro e Gracinha Leporace, hoje Sra. Mendes, e que fazia a abertura das apresentações do "Brasil 66", cujos muitos arranjos também eram do Manfredo.
Pouco gravado por aqui, a maioria ainda no velho vinil, tem mais registros lá fora, principalmente nos E.U.A., inclusive na "Concord Records" e com musicos como Claudio Roditi, Scott Hamilton e David Finck entre outros.
Pianista de grande sensibilidade, seguidor por razões obvias da escola George Shearing mas sem óculos, muito embora tivesse sua própria identidade musical e por quem teve gravado suas musicas "Seresta" (Serenade) e "Brazilian Dorian Dream".
Um dos seus últimos cd's, gravado pela DMP (não lançado no Brasil) de 1998, chamado "Just Jobim" com David Finck (baixo) , Cyro Baptista (percussão) e Steve Davis (bateria) foi uma especial homenagem ao nosso maestro soberano e que considero uma das melhores,senão a melhor entre tantas lançadas por aí.
São 12 temas que vão desde "Aguas de Março" até "Luisa", passando por "Ligia", "Corcovado", "Chovendo na Roseira", "Amparo" e lógico "Wave", "Desafinado" e "Garota de Ipanema" com leituras bem características e livres, onde Manfredo solta a mão no bom sentido,com muito suingue "jazz bossa", que recomendo até aos jazzófilos mais exigentes na certeza de não se decepcionarem, muito pelo contrário, vão se orgulhar de mais esse grande pianista da nossa safra.
Registro ainda para a genial cosinha com David Finck passeando pelo contrabaixo com arco e tudo mais, Cyro Baptista brilhando na percussão dos seus chocalhos e triangulos, e finalmente para o correto ritmo na medida do baterista Steve Davis.

É só.

Sazz

DELIRA NO ARMAZÉM - Última Semana

Quem se deliciou com o show de Haroldo Mauro Jr. em uma das memoráveis noites promovidas pelo CJUB no Mistura Fina, não pode deixar de assistí-lo neste último final de semana de festival. Para aqueles que gostam também de um som mais brasileiro, o festival se encerra com o show de Ricardo Leão. Aguardo vocês lá. Abs,
PegLu

24/11 - Haroldo Mauro Jr. - Pianista e mestre em composição, fez parte dos grupos de duas lendas da música brasileira: Victor Assis Brasil e Edison Machado. Trabalhou durante 20 anos nos EUA onde assimilou o bebop e tornou-se um autêntico pianista de jazz sem, contudo, abandonar o repertório de compositores brasileiros. Neste show estará acompanhado por Sérgio Barrozo (baixo) e Márcio Bahia (bateria).

25/11 - Ricardo Leão - pianista, produtor, arranjador, compositor e diretor musical, é hoje um dos músicos mais atuantes da cena musical brasileira. Acumula prêmios, colaborações com diversos artistas da MPB e traz a sua assinatura em mais de 150 discos. Compõe trilhas para TV, teatro e cinema. Atua como produtor musical do Programa “Sob Nova Direção" (TV Globo). Deste show participam Sandro Guimarães (sax), Rômulo Duarte (baixo) e Cacá Colón (bateria).

O Armazém Digital fica no Rio Design Center Leblon - Av. Ataulfo de Paiva, 270 Loja 104 - Subsolo.
Sempre às 21 horas.
Ingressos: R$ 20,00 (sem consumação mínima)
Tel: 2274 5999

HERSCH PLAYS MANDEL - @@@@

22 novembro 2006

Exatamente amanhã, 23 de novembro, Johnny Mandel (John Alfred) estará completando 81 anos. Considerado entre os americanos como um dos seus mais completos compositores - vide trilhas sonoras como “The Sandpiper” e “M.A.S.H” - Mandel ostenta entre os músicos brasileiros a fama de extraordinário arranjador (cordas, principalmente). Há quem diga que Luis Eça foi seu aluno. E outros, como Dori Caymmi, sofreram dele forte influência. Muitos jazzistas e, principalmente, cantores, já usufruiram do seu enorme talento. Sinatra, Bennett, Natalie Cole, Shirley Horn, "Little" Jimmy Scott, Carmen McRae, Michael Feinstein e Diana Krall, entre outros. O trombonista Bill Watrous, em 1993, gravou um CD só com os seus temas, assim como o atualíssimo Fred Hersch em piano solo – o CD foi nominado ao Grammy. Hersch deve ser indicado novamente este ano pelo CD ao vivo gravado com a cantora Nancy King, uma unanimidade entre a crítica americana. Fred Hersch - “I Never Told You: Plays Johnny Mandel” (Varese, 1995) está fora de catálogo, mas é um trabalho primoroso, que merece a atenção dos cejubianos.

22 DE NOVEMBRO, DIA DO MÚSICO

Cool Slideshows



"O QUE É BOM JÁ NASCE FEITO
E ESTÁ PERFEITAMENTE INSERIDO NESTE CONTEXTO DIVINO
QUE É O DOM DE SER MÚSICO"


Palavras de Hermeto Pascoal, estampadas na capa do primeiro disco do saxofonista franco-carioca Idriss Boudrioua.

E fica registrada a homenagem ao dia de hoje, 22 de novembro, DIA DO MÚSICO.

Àqueles que nos proporcionam momento de pura beleza, magia e que fazem a trilha sonora da nossa vida !

Parabéns a todos os músicos pela data de hoje !

PIANISTAS E SUA FASE PÓS-POP-M****

Não sou retrógrado. Sou capaz de reconhecer os benefícios e até a beleza de um teclado usado com parcimônia. Acontece que, depois de anos como pianistas consagrados de Jazz, alguns deles decidiram provar da maçã de Eva dos samplers, DX-7, Rolands e Yamahas da vida.

Alguns, felizmente, provaram da maçã e cuspiram fora. Casos como o do Bill Evans com uns poucos discos usando teclados e mesmo assim dentro de sua ambiência jazzística.

Ocorre que os teclados-samplers abriram uma fantástica e horrorosa possibilidade de criar novos timbres e os tecladistas passaram a contar com um novo filão de mercado, atraindo para si belos contratos. O Eumir Deodato embarcou nesta há décadas e se tornou um dos maiores criadores de timbres do mercado. Este é o campo bosta-pop.

Nesta onda, embarcou gente do calibre de Chick Corea e Herbie Hancock. Talvez mais sábio comercialmente, Corea soube separar as suas bandas Akoustic e Elektric, mantendo a sua produção de belas obras jazzísticas na Akoustic Band destarte a mania de criar timbres na Elektric Band. Hancock, por sua vez, passou a produzir Jazz erraticamente, caiu de boca nesse pós-pop bosta, gravando aquela série insuportável iniciada na Columbia Records desde 'Survival of The Fittest' até 'Thrust'.

A apresentação de Hancock no Festival de Jazz do Rio de Janeiro em 2006 deu bem a medida do material boiante que se jogou no público. Hancock apareceu com 3-4 engenhocas, um saxofonista da pesada, um baixista pirotécnico e uma baterista fungante. Um desrespeito a um público que adquiriu ingresso caro para um espaço de Jazz. A produção do Festival deixou passar, mais interessada no faturamento da lotação esgotada por imberbes de cabelo espetado de olhos vermelhos e vestimenta dark. Oh,yeah.

Felizmente, Ahmad Jamal ainda está vivo, bem como tantos outros que não se contaminaram com o vírus pop para faturar mais. Acima de tudo, ele estava lá naquela mesma noite, do alto de seus quase 80 anos, para mostrar o digno respeito a tudo que construiu. Há muito de Jazz acústico por aí, não há o que reclamar do mercado. Entretanto, o pecado da escolha cínica do espaço de Hancock no Festival é que realmente pegou mal.

Além de Hancock, há mais tecladistas que enveredaram pela caminho de Eva. Lembro o halterofilista George Duke, desconfigurado com aquela incrível capacidade de digitalização aliada a uma técnica estupenda a serviço do nada. Quanto desperdício! Lembro também do Bob James, que se deu bem naqueles discos da CTi vendendo que nem banana preta em fim-de-feira.

Deixo de citar outros por pura má vontade.

HISTÓRIAS DO JAZZ, 14: GULDA "SE MANDOU"

21 novembro 2006

Essa aconteceu em meados da década de sessenta, quando o “Clube de Jazz e Bossa” passou a fazer suas reuniões musicais no Copacabana Pálace. O grande pianista austríaco Friedrich Gulda veio ao Rio para apresentar um “Ciclo Beethoven” em nosso Teatro Municipal. Sabendo que o mesmo também tocava Jazz ,alguém sugeriu que fosse convidado para uma “canja” em nossa reunião de domingo. Foi Sylvio Tullio Cardoso quem anunciou que o convite fora aceito e que Gulda tocaria para nós.
Casa cheia e a tarde começou bem com o quarteto de Victor Assis Brasil abrindo a programação. Após tocar um dos últimos números, um senhor levantou-se de sua mesa e perguntou em voz alta qual era o nome do tema . Victor respondeu : “Three flowers”. E o senhor indagou : “The composer ? ” e Victor respondeu : McCoy Tyner. Após o último número a ansiedade tomou conta da platéia. Chegara a hora de ouvir e ver Gulda tocando Jazz. Entre-tanto, após dez minutos ,sobe ao palco Ricardo Cravo Albim e informa meio sem jeito que Gulda, cansado após seu último concerto não compareceria, ao mesmo tempo em que o senhor que interrogara Victor subia ao palco pela escada lateral e se sentava ao piano. ERA O PRÓPRIO GULDA. Após as gargalhadas que gozaram o Albim assumiu a bateria Oswaldo de Oliveira Castro enquanto o contrabaixo estava abandonado encostado à parede. Gulda deu dois ou três acordes anunciando o rítmo, Oswaldinho atacou e tudo parecia bem até o austríaco notar que não havia ninguém no contrabaixo. Parou de tocar, levantou-se do piano e com um “I’m sorry” ,irritado retirou-se do palco.
Não tenho certeza se o contrabaixista era Sérgio Barroso. O que comentavam é que ele aproveitou o intervalo para namorar e a maionese desandou.
Claro, as opiniões se dividiram. Uns achavam correta a posição de Gulda enquanto outros, como Sylvio Tullio Cardoso, acharam que aquilo não passava de um “ataque de estrelismo”. Coisas do Jazz.
llulla

MUSEU DE CERA # 7 – FATS WALLER

20 novembro 2006


A 21/maio/1904 em New York nascia Thomas Wright Waller filho de um ministro da igreja Batista Abissínia e desde cedo aprendeu o órgão e o piano com sua mãe. Na escola tocou na orquestra dirigida por Edgar Sampson ganhando um prêmio para amadores aos 15 anos no Roosevelt Theater executando Caroline Shout de autoria do pianista James P. Johnson e assim sua carreira se inicia com alguma orientação de Johnson seu professor informal.
O apelido de Fats, naturalmente por ser bem gordinho veio logo, ainda rapaz, ao iniciar a carreira profissional tocando em festas, vaudevilles e cinemas.

Em 1922 faz as primeiras gravações e em 1927 compõe em parceria com Johnson várias canções para o show Keep Shufflin. Dois anos mais tarde Waller escreve as músicas para Hot Chocolates uma peça da Broadway com letras de seu amigo Andy Razaf e daí surge um de seus maiores sucessos Ain't Misbehavin introduzida no show por Louis Armstrong.

Em 1934 em uma festa dada por George Gershwin, Fats se destacou tocando, cantando e encantando um executivo da Victor Records que o leva de volta para a companhia gravando intensamente a maioria sob o nome Fats Waller and his Rhythm, um sexteto.

Assim, permanece até 1943 quando falece inesperadamente devido a uma pneumonia estando a bordo de um trem próximo a Kansas City.

Fats Waller adotou o estilo stride dos pianistas do Harlem influenciado por Johnson um dos criadores, desenvolvendo uma magistral e possante mão esquerda dando o suporte rítmico-harmônico às variações não menos magistrais da sua direita, sempre com muita imaginação. Além do piano cultivou uma vocalização teatral, cheia de humor, do bom humor com falas e gritos eufóricos, muito interessante, mas isto fica para outra seção do Museu, e vamos nos deter no piano de Fats ouvindo A Handul of Keys que demonstra todo seu virtuosismo jazzístico num autêntico stride, que refletia de uma certa forma a modernização do ragtime.


A HANDFUL OF KEYS (Fats Waller) – piano solo de Fats Waller – Gravação original: Victor (V38508-mx49759) de 01/03/1929, Camden, New Jersey. Fonte: CD Fats Waller Greatest Hits (RCA 68495) - 1996.

MÚSICA

VERÍSSIMO - O GLOBO DE 19.11.2006 - ENQUANTO JAZZÓFILO, ÓTIMO HUMORISTA

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Bomb-sheshéu querendo o lugar da Bomb-shell

18 novembro 2006

Mais uma vez, a Downbeat estará distribuindo, na edição de dezembro, o seu poll anual de leitores sobre os melhores em diversas categorias do Jazz, incluindo Female Vocal, na qual a introdução de brasileiras em detrimento de cantoras americanas de Jazz é sempre fator de apreensão dos meios Jazzísticos americanos e até brasileiros.

Talvez o que se esteja criticando não é a presença de tais cantoras em si, porém a forma enganadora de indução mercadológica que é empregada, pela qual, ao nosso ver, a revista é, inclusive, 'literalmente usada'. O que está por detrás disso tudo é, na verdade, uma grande disputa entre as cantoras brasileiras da atualidade pelo espaço mercadológico representado pela música brasileira no Music American Business e também nas praças do Japão e da Inglaterra.

A fórmula enganadora é simples. Ela se baseia no tupiniquismo tipicamente brasileiro de aceitar e valorizar qualquer postura ou manifestação americana como chancela de um trabalho artístico. O macete consiste em pegar uma artista desconhecida lá e cá, arrumar um produtor-empresário eficiente e conhecedor do meio e bancar gravações com 'medalhões' da cena americana que, por sua vez, dão a sua chancela ao produto. Pronto o disco, a 'bomb-sheshéu' é lançada lá como 'a grande sensação da música de cá'. Ora, isso sempre funcionou razoavelmente quando a velocidade da informação não contava com a internet, ou seja, até os americanos descobrirem que a tal grande sensação brasileira é um blefe, muitas crenças iam se consolidando. Hoje a coisa mudou: eu já fiquei sabendo do resultado da revista que ainda não está nas bancas via internet. Também já constatei forte polêmica em torno de uma matéria que, portanto, ainda não foi nem publicada.

Ao mesmo tempo, no lado Brasil, o 'marketing' enganoso começa a atuar, com a divulgação dos shows onde a cantora é apresentada como a fantástica fulana, prestigiadíssima nos Estados Unidos, que já gravou com beltrano, cicrano, o escambáu. Paralelamente, cooptasse alguns formadores de opinião, até do meio do futebol (não importa), qualquer meio vale, que bostejam aqui e ali, nos meios freqüentadores e ... pronto: está formada a cadeia enganadora. Há também um séquito de bobalhões, típicos 'marias-vão-com-as-outras' que não tem opinião própria (não entendem chongas) e vão espalhando comentários que nem ventrílocos, fortalecendo o marketing da bomb-sheshéu.

Graças à Boa Música, quase sempre não é assim! A estória das cantoras brasileiras que vão buscar sucesso internacional é longa. Que eu me lembre, começou com Carmem Miranda, que saiu daqui já consagrada e chegou lá para obter um merecido reconhecimento por seu 'artistry', como se ela precisasse disto.

Depois de Miranda, só me lembro da Astrud Gilberto, que embarcou sem querer em 'Garota de Ipanema' com João Gilberto e Stan Getz, e conquistou sucesso paralelo ao de Carmem, com seus memoráveis discos produzidos pelo Creed Taylor, com arranjos de Gil Evans, Johnny Mandel, Don Sebesky e Eumir Deodato, entre outros. É incrível que, depois de mais 40 anos, sempre atuando em 'low profile', com uma vida pessoal discretíssima e sem fazer shows por aí, Astrud ainda tenha todos os seus discos em catálogo nos Estados Unidos e no Japão. Para mim, mesmo com sua pouca voz e afinação por vezes questionável, Astrud é a eterna rainha 'cool' da música brasileira no exterior.

O quadro mais recente desta disputa envolve cantoras apetitosas, que merecem a minha permanente torcida. Nara Leão, nas mãos de Menescal, parece ter aberto o mercado japonês, onde, apesar de sua prematura passagem, deixou uma marca que certamente propiciou um pé sadio para a música brasileira entre os nipônicos - hoje representado por Wanda Sá e Joyce, sem contar com as incursões da nissei Lisa Ono.

Há também o filão inglês, onde começaram a samplear muita música brasileira, o que atraiu compositores e cantores de boa cepa, onde pontua a nossa grande Joyce e onde até a nossa grande maestrina Celinha Vaz consegue penetrar, com a sua sensibilidade e beleza.

Disputando o filão nos Estados Unidos de hoje, lembro o esforço da filha de Teresa Souza e Walter Santos, Luciana Souza, uma das agraciadas no 'poll' da Downbeat. Lembro a desorientada Eliane Elias, que deixou uma brilhante carreira de pianista em segundo plano para tentar uma posição 'diana-kraliana' insustentável. Lembro a dona de belíssima voz, Bebel Gilberto, perdida em bobagens como 'drum'n'bass bossa'. Há mais alguém que valha a pena lembrar?

Dizem que a Gal Costa pretende lançar um disco de standards americanos. Que Deus nos proteja!

A série ‘Delira no Armazém’ recebe Mauricio Einhorn e Fernando Martins neste final de semana

17 novembro 2006

Hoje e amanhã, às 21:00h, dentro da programação dos 03 anos do selo Delira Música, o Armazém Digital recebe dois veteranos de peso - Mauricio Einhorn (sexta) e Fernando Martins (sábado).

Mauricio Einhorn é um dos maiores ícones da música popular brasileira. Compositor de clássicos da Bossa Nova como Batida Diferente, Estamos Aí, Tristeza de Nós Dois, Sambop, e muitas outras, gravadas no Brasil e no exterior, por intérpretes como Tom Jobim, Hubert Laws, Herbie Mann e Cannonball Adderley. É um completo melodista e improvisador nato, respeitado nos Estados Unidos e na Europa, e um dos mais dedicados executantes da harmônica cromática em todo o mundo. Mauricio Einhorn se apresenta no Armazém Digital nesta sexta-feira (17/11) ao lado de Alberto Chimelli (piano) e participação especial de Willians Pereira (violão). No repertório, além de clássicos da bossa-nova e standards de jazz, Mauricio aproveita para apresentar em primeira mão, canções inéditas compostas em parceria com Alberto e Willians.

Fernando Martins iniciou sua carreira em meados de 1958, incentivado por Luis Eça. Integrou o quinteto de Victor Assis Brasil juntamente com Claudio Rodite, Claudio Caribé e Luizão Maia. Viajou para a Europa em 1967, em busca de novos horizontes, formando o trio Camará, com o baterista Nelson S. de Castro e o baixista Edson Lobo, apresentando um repertório variado do samba jazz brasileiro. Tocou entre outros com, Baden Powell, Slide Hampton, Philly Joe Jones, Hank Mobley, Joe Henderson. Tem trabalhos em parceria com Hélio Delmiro, Mauricio Einhorn e Rildo Hora. Pela Delira Música lançou o CD ZUNGU, 4 estrelas na cotação do Jornal O Globo. No show que fará neste sábado (18/11) no Armazém Digital do Leblon, Fernando estará acompanhado de Idriss Boudrioua (sax), Sérgio Barrozo (baixo) e Kéberson Caetano (bateria). No repertório obras de Luis Eça, João Donato, Mauricio Einhorn, Baden Powell, Johnny Alf e composições próprias.


Serviço

Armazém Digital – Rio Design Center Leblon – Av. Ataulfo de Paiva, 270 / S. 103
Série Delira no Armazém
17/11 – Mauricio Einhorn
18/11 – Fernando Martins
Sempre às 21 horas
Ingressos: R$ 20,00 (meia entrada para estudantes e terceira Idade) e R$ 15,00 (Clube Delira Música)

UMA NOVA PLAYLIST

Aprendi a fazer uma playlist no Bolt, depois do Guzz mostrar que a dele já estava caduca. Espero que funcione a contento.

Aproveito para pedir aos Mestres de plantão que me ajudem a identificar os componentes da banda que acompanhava a Lee Morgan nessa gravação de Totem Pole, já que ficou no computador como uma faixa solta, destacada do disco original e portanto das informações.

Sei que para vários dos nossos decanos isso é a piece of cake, mas valem, claro, as info que chegarem primeiro, mesmo dos não-Mestres.

Um abraço e bom fim de semana a todos.

PÉROLA MANDADA PELO CASAL SENNA

14 novembro 2006

Nossos agradecimentos ao Casal Luiz Fernando e Cristina Senna por mais esta pérola estampada no YouTube: os pianistas Joe Bushkin, George Shearing, and Paul Smith acompanhando Bing Crosby, Peggy Lee, and Frank Sinatra. Enjoy ...

MARCOS AMORIM DUO

MUSEU DE CERA # 6 – BESSIE SMITH

10 novembro 2006

Bessie Smith - considerada a maior cantora da era do Blues clássico dos anos 20, período este em que Blues e Jazz se confundiram, uma vez que era interpretado por cantores acompanhados por músicos de Jazz. Nascida em abril de 1895, órfã aos 8 anos já aos 12 iniciava cantando nas ruas de Chattanooga sua cidade natal no Tennessee. Em 1912 conseguiu uma vaga como dançarina e cantora num show onde atuava Ma Rainey (*1886 †1939) que a orientou e ajudou permanecendo juntas até 1915 quando Bessie ingressou no circuito de vaudeville T.O.B.A. Em 1923 apadrinhada pelo diretor artístico da Columbia - Frank Walker entrava no estúdio em New York acompanhada do pianista Clarence Williams para gravar 2 temas – Down Hearted Blues e Gulf Coast Blues. Seu sucesso foi enorme conseguindo vender 780.000 cópias no ano, rivalizando-se com o Crazy Blues de Mammie Smith o primeiro a ter o privilégio de obter um registro fonográfico em 1920. Seus maiores méritos que inclusive a nomearam como a Imperatriz dos Blues, vinculavam-se a uma ampla voz de contralto de excelente timbre, a perfeição da dicção, a entonação certa, os glissandos modais e o suingue nato e bem equilibrado.
Através da década de 20 Bessie gravou com inúmeros grandes nomes do Jazz como Fletcher Henderson, James P. Johnson, Coleman Hawkins, Don Redman, Louis Armstrong, Charlie Green, Joe Smith, Buster Bailey, Charles Dixon e muitos outros... Bessie não foi só a maior cantora de Blues, mas realizou a transição entre o canto de arte rural e folclórica e o das cantoras da década de 30 como Mildred Bailey, Maxine Sullivan, Ella Fitzgerald e Billie Holiday, por exemplo.
Aliada à sua vida conturbada desde a infância, cantava no seus Blues, inclusive compondo muitos deles, os temas realistas da época que assolavam a comunidade negra como o racismo, a miséria, as supertições, a decadência sob o álcool, as prisões por contrabando de bebidas, as mortes violentas, os amores venais dos cafetões, enfim parte do que foi vivido por ela própria.
A partir de 1931 sua vida voltou a se complicar uma vez que a Columbia não conseguia mais vender seus discos devido à Depressão econômica e ao avanço das estações de rádio e do cinema falado. Bessie partiu para as canções populares chegando a gravar pela última vez em 1933 para a Okeh. Veio a falecer em 1937 de desastre de automóvel. O produtor John Hammond que a esperava para uma gravação em New York, escreveu no magazine Down Beat que Bessie ao ser encaminhada a um hospital próximo a Memphis não foi atendida por ser negra levando muito tempo a chegar em outro para negros agravando seu estado e a levando à morte. Isto não foi realmente provado mas o rumor permanece até hoje. É até bem possível dada a radicalização racial à época.
Selecionamos então o tema Gulf Coast Blues que iniciou uma fantástica contribuição do Blues ao Jazz. Reparem que nem todas as frases são completadas por Bessie, o que era normal no Blues clássico, dando oportunidade ao acompanhador de introduzir variações e improvisações, no caso, o excelente piano de Clarence. Este break instrumental no Blues foi uma das sementes do Jazz.

GULF COAST BLUES (Alberta Hunter – Lovin Austin) – Bessie Smith (vocal), Clarence Williams ao piano. Gravação original: 16/fev/1923 - New York- Columbia (A3844-mx80864) – Fonte CD Bessie Smith – The Collection – Columbia CK 44441- USA – 1989
Para ouvir a parte musical clicar no hiperlink MÚSICA.

MÚSICA

COLUNA DO MESTRE LOC EM 10/11 NO JB


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JB, 10 de novembro de 2006.

BILL HORNE

08 novembro 2006

Alô amigos,
Na última reunião da AND ocorrida em 26 de outubro, Mauricio Einhorn nos informou sobre o falecimento de Bill Horne. Para quem não conheceu, Bill Horne foi um dos grandes entusiastas do Jazz no Rio de Janeiro. Tocava trompete e atuava em todas as "jams" que eram realizadas. No CD - Dick Farney e seu Jazz Moderno" ele pode ser ouvido tocando trompa no grupo de Dick farney. Lamentavelmente os jornais nada noticiaram e ficamos sem saber detalhes do ocorrido. Por favor, quem souber informe.
llulla

JOHN PIZZARELLI NO BRASIL

06 novembro 2006

Ele já é "quase" brasileiro, afinal há anos ele vem se apresentando por aqui, consecutivamente.

Desta vez estará lançando seu último álbum Dear Mr. Sinatra (Telarc Records), já comentado aqui no blog, em temporada de 7 a 11 de novembro no Mistura Fina, RJ.

Não vem com a big band, mas se apresentará em formato diferente das últimas vezes, em quarteto formado por Martin Pizzarelli no contrabaixo, Larry Fuller ao piano e Tony Tedesco na bateria.

O guitarrista e vocalista norte-americano sonhava há tempos com um disco com sucessos consagrados por Frank Sinatra, um de seu maiores ídolos para quem já abriu diversos shows na década de 1990. Foi a partir de uma turnê pelo Japão com a Clayton-Hamilton Jazz Orchestra que a idéia de homenagear Frank Sinatra se realizou. Com arranjos de Don Sebesky, Dick Lieb e Quincy Jones, o lançamento traz clássicos como “I’ve got you under my skin”, “Ring-a-ding ding”, “Yes sir, that’s my baby” e “In the wee small hours”, entre outros. Além das músicas do novo álbum, o set list deve incluir antigos sucessos.

Os shows :

07/11 (terça-feira), às 22h - R$ 50
08/11 (quarta-feira), às 20h e às 22h - R$ 70
09/11 (quinta-feira), às 20h e às 22h - R$ 70.
10/11 (sexta-feira), às 20h e às 23h - R$ 95.
11/11 (sábado), às 20h e às 23h - R$ 95.

O local : Mistura Fina

Vale conferir !

PS. Para quem está em SP, John Pizzarelli se apresenta com a Orquestra Jazz Sinfonica no dia 15 no Memorial da América Latina, cuja apresentação será transmitida ao vivo pela Cultura FM, às 21hs.

PIANO EM DOSE DUPLA

05 novembro 2006

Na mesma semana em que quatro pianistas estiveram tocando no TIM Festival (Bollani, Ahmad Jamal, Herbie Hancock e Andre Mehmari), sendo que três deles numa única noite, fica o registro de dois ótimos shows ocorridos no Estado do Rio nos dias 02 e 04.11.2006.

Os protagonistas desta vez foram Kiko Continentino, que comemorou seus 21 anos de carreira num show no Teatro Municipal em Niterói, recheado com as presenças de Leny Andrade, Leila Pinheiro, Bebeto (ex Tamba Trio) Alberto Continentino, Marco Lobo e outros, e no Armazem Digital do Leblon, Hamleto Stamato liderando um trio com temas dos três ótimos albuns Speed Samba Jazz.

Aproveito a menção a Hamleto para lembrar a importância de todos prestigiarem a programação que comemora o 3 aniversário do selo DELIRA MÚSICA, da nossa Luciana Pegorer e do Marcelo Pera, que desenvolvem um trabalho de muito bom gosto.

Lá termos neste mês de novembro grandes músicos, como Haroldo Mauro Jr, Fernando Martins (que terá a presença do Idriss entre outros feras), Maurício Einhorn (nào tenho certeza, mas torço para que seja em quarteto, com Chimelli, Luiz Alves e João Cortez).

Aproveito para lembrar que em ambos os shows (Kiko e Hamleto), o público teve direito a Bis, e os músicos nào tiveram seus trabalhos interrompidos...

Fica a lição para os mega festivais !!!!

Beto Kessel

JAZZ + , NOVA EDIÇÃO NAS BANCAS

04 novembro 2006



Ainda lutando para manter a regularidade, saiu a nova edição da revista Jazz + , agora em seu décimo terceiro número.

Esta edição traz Dave Holland, Horace Silver, Esbjorn Svensson Trio, Mauro Senise, João Donato, Orlandivo, além de lançamentos e resenhas de discos.

Apesar dos altos e baixos da publicação, ainda é nossa única especializada.


Nas bancas !

JB, 3 de outubro de 2005 - Coluna do Mestre LOC

03 novembro 2006

O jazz passa por Punta del Leste

Por Luiz orlando Carneiro

Quem gosta mesmo de jazz, goza de razoável situação financeira e pode tirar uns dias de férias, tem uma ótima oportunidade de conciliar turismo e música de primeira, de 4 a 7 de janeiro, no Festival Internacional de Lapataia, no Uruguai. Mauro Nahoum e David Benechis - prelados do CJUB (www.cjub.com.br) - já chamaram a atenção dos demais integrantes da principal confraria de jazzófilos do Rio de Janeiro para o alto nível dos músicos que se apresentam na edição 2007 deste charmoso festival ao ar livre.

Para os que nunca ouviram falar de Lapataia, aí vão algumas informações: trata-se de um aprazível lugar, na zona rural de Punta del Este, perto de Punta Ballena, onde se situa o Tambo El Sosiego - uma fazenda-fábrica de laticínios famosa pelos doces de leite que produz.

Seu dono, Francisco Yobino, aficcionado por jazz, resolveu unir o útil ao agradável e aproveitou o anfiteatro natural lá existente para promover o também chamado Festi-val de Jazz de Punta del Este. O evento ganhou, aos poucos, envergadura internacio-nal, sob a direção artística (até 2004) do celebrado saxofonista-clarinetista Paquito D'Rivera.

O festim musical de Lapataia consiste em quatro noites, de quinta a domingo, com três sets seguidos a partir das 20h. Os destaques, desta feita, são conjuntos liderados por músicos de alta cotação na "bolsa" mundial do jazz contemporâneo, como os pia-nistas Bill Charlap, Renée Rosnes e Dave Kikoski, os saxofonistas Ravi Coltrane e Jimmy Greene, Avishai Cohen (baixo) e Diego Urcola (trompete).

Avishai Cohen leva o seu trio Continuo (Mark Giulliana, piano; Shai Maestro, piano), que lançou, há pouco, álbum de mesmo nome, com aquela explosão de cores melódi-cas orientais e clima rítmico tenso, na linha do Bad Plus. O magnífico baixista terá como convidados Antonio Hart (sax alto) e o trompetista argentino Diego Urcola.

Dos grupos liderados por pianistas, sobressai o de Bill Charlap (Peter Washington, baixo; Lewis Nash, bateria), com o excelente CD Plays Gershwin (Blue Note, 2005, EMI). Mas a canadense Renée Rosnes, 44 anos - radicada nos EUA, e integrante do SF Jazz Collective - é tão brilhante como Charlap, e vai a Punta del Este à frente de um poderoso quinteto (Eddie Henderson, trompete; Walt Weiskopf, saxes; Adam Nussbaum, bateria; Dennis Irwin, baixo). O audacioso Dave Kikoski estará no co-mando de um "dream trio": Jeff "Tain" Watts (bateria) e Eric Revis (baixo).

Duas outras atrações de peso do festival: o trio formado por Ravi Coltrane (saxes tenor e soprano), Adam Cruz (bateria) e o impecável baixista Scott Colley; o quarteto de Jimmy Greene, 31 anos, um dos melhores saxofonistas dos últimos anos, com Xavier Davis (piano), Reuben Rogers (baixo) e o notável Eric Harland (bateria).

UM POUCO MAIS SOBRE HERBIE HANCOCK

Houve muita polemica após a apresentação do músico Herbie Hancock no Tim Festival, a maioria dos puristas se levantou e foi embora. Mas era de se esperar que acontecesse. Herbie é sabidamente um músico eclético. Quem acompanha a sua carreira bem sabe o que iria ouvir, mas é um músico que tem história com 40 anos de carreira, com vários Grammys e até um Oscar, pela trilha sonora de "Round Midnight".

Uma vez Miles Davis falou de Hancock: "Herbie é o próximo passo após Bud Powell e Thelonious Monk..."

Hancock não parece ter mudado fisicamente desde a sua principal aparição na inauguração do MTV Music Awards em 1983, com seu hit "Rock-it".

Hancock comenta: "Você sabe, eu estou no negócio desde muito antes dos sintetizadores". Aos 66 anos ele fala do último modelo de seu novo teclado eletrônico, exibido no Tim Festival, o Korg Oasys. " O som é... o som é...". Momentaneamente ele perdeu as palavras. "Top notch", disse ele finalmente, falado com o sotaque dos músicos de Chicago "taap naaatch".

Hancock havia acabado de chegar do Japão, passou alguns dias em Los Angeles e veio para o Brasil, para o Tim Festival, de onde parte para um tour de seis semanas na Europa. Nesse meio tempo grava, faz uma consultoria para um documentário sobre basquete e jazz, um filme sobre seu último álbum. Uma série colaborativa com Sting e Christina Aguilera foi recentemente mostrada nos cinemas de Los Angeles e Nova York. Herbert Jeffrey Hancock continua, como sempre, com muitos afazeres.

Nesse dia ele estava feliz de estar lembrando do passado. Sua camiseta, preta como o resto de suas roupas, tinha estampado no peito a palavra "Miles", do tempo em que tocava no quinteto de Davis, um período que juntamente com o baixista Ron Carter, o baterista Tony Williams e o saxofonista Wayne Shorter gerenciavam a criação de uma química mística com o grande líder trompetista.

Um fato interessante veio a tona quando na biografia de Miles é citado que ele foi posto pra fora da banda por ter demorado muito na sua lua de mel. Hancock contou que tinha se casado em 1968, ele e a mulher tinham vindo passar a lua de mel no Brasil e durante o jantar havia passado mal. Segundo suas palavras ele havia sido "food poisoned on my wedding night".

Hancock perdeu algumas apresentações com a banda de Davis, que estavam esperando pelo seu retorno. Ela acha que Miles não acreditou na história do "food poisoning". Naquela época havia um clima que todos os músicos estavam pensando em deixar a banda.

Na sua ausencia, outro pianista, ainda desconhecido, foi contratado, Chick Corea. Quando Hancock apareceu ele não sabia que tinha sido substituído pelo Chick.

Hancock disse que ligou para Miles e que ele apenas o mandou entrar em contato com o agente Jack Whittemore. Foi quando Hancock percebeu a realidade, ele não tocava mais com Miles Davis. Hancock encarou aquilo como uma desgraça, mas há males que vem para o bem e ele pode pela primeira vez tocar com sua nova banda suas composições que escrevia noite após noite.

Muitas das suas composições se tornaram standards conhecidos como: "Watermelon Man", que Mongo Santamaria pôs nas paradas em 1963 e "Cantaloupe Island", que foi um hit mundial, tocado pelo grupo inglês Us3 em 1994 com o nome de "Cantaloup (Flip Fantasia)".

Hancock toca seu piano com uma grande influência do jazz (Davis disse um dia: "Herbie é o próximo passo após Bud Powell e Thelonious Monk e eu ainda não escutei ninguém que tenha vindo depois dele"). Quando o piano elétrico Fender Rhodes fez seu retorno aos palcos durante a onda de Acid Jazz no início dos anos 90, poucos tecladistas ainda não haviam escutado o álbum de jazz funk, Chameleon, que teve milhões de cópias vendidas desde 1973.

Como um prodígio aos 11 anos, ele tocou com a Chicago Symphony Orchestra antes de se voltar para o jazz e mudar-se para Nova York, onde ele foi morar com o trompetista Donald Byrd, com quem ele gravou para a Blue Note em 1961. Hancock rodou por várias formas de música de George Gershwin, em Gershwin Worlds 1998, para a música eletrônica e world music em Future 2 Future 2001 e a complexidade do final dos anos 60 de Davis e Coltrane para a Directions In Musica de 2003.

O campo musical de Hancock é bastante controverso, especialmente pelos puristas do jazz, mas para Herbie "ele está sempre dentro de uma caixa, se ele sair da caixa ele continuará a ser avaliado como se estivesse dentro da caixa".

Vai ser duro para os puristas quando descobrirem que a verdadeira origem de outro clássico de Hancock, "Maiden Voyage", do seu álbum de 1965 com o mesmo nome, começou como tema de um comercial de TV para uma loção após a barba.

Hancock disse que foi consultado por uma agência de publicidade se podia escrever um tema para uma cena da loção de barba, que se passaria num club de jazz que tinha cadeiras chiques, com espaldares altos e as pessoas da elite circulariam muito bem vestidas. Ele caiu na gargalhada, pois disse que nunca havia visto um club de jazz como aquele.

Hancock mostra um saúde excepcional, casado (fora a trágica lua de mel no Brasil) desde 1968 com Gigi, Hancock também tem uma filha, Jessica, que o ajuda a gerenciar seu negócio. Em 1972 ele começou a praticar o Budismo como religião.

Hancock diz " O budismo amplia sua perspectiva. Nós não olhamos as situações como causa para o stress, mas como oportunidades de crescimento. Frequentemente tentamos transformar o que acontece em algo positivo, como transformar veneno em remédio. E o jazz é algo assim, ele cresceu como veneno e agora é um remédio."

Falando das raízes do jazz. " Ele nasceu, basicamente, como uma expressão criativa dos escravos, isso é mentira, porque o budismo fala da habilidade do espírito humano transformar a pior das circunstâncias em algo de valor."

Sobre o documentário que ele está trabalhando junto com a estrela do basquete Kareem Abdul-Jabbar, "A conexão entre o esporte e a música não é obvio para mim", mas ele explica: "Nos anos trinta, no que eles chamam de Harlem Renaissance, algumas vezes os jogos de basquete eram em salões de baile. As pessoas vinham para ver o jogo e no final entrava uma big band e todos dançavam."

Perguntado dentre todas essas atividades se ele se considera mais um artista de jazz ou um músico, Hancock respondeu: "Eu penso em mim mesmo como um ser humano, em primeiro lugar. Muitas pessoas pensam primeiro como sendo músicos, pintores, dançarinos, qualquer coisa e não se lembram que em primeiro lugar deveriam se considerar como um ser humano. Enquanto eu estou compondo ou tocando, eu parto do princípio que sou um ser humano que funciona como músico e isso me encoraja ainda mais."

Como Hancock está no topo de sua carreira há 40 anos? Talvez o jazz seja, como ele diz, um remédio e, que certamente o está mantendo em plena forma.

Nos bastidores do Tim Festival, durante a entrevista, Arlindo Coutinho perguntou a Hancock se o som que ele tocou tinha uma linguagem jazzistica, ao qual respondeu: "É, tem tudo a ver, o que faço é pesquisar e estudar uma série de sonoridades que se adequem ao jazz. Isso pode não agradar aos puristas, mas o som tem raízes eminentemente adequadas ao jazz."

Na rádio Paradiso FM, na seção Jazz Paradiso, estão diversas entrevistas dados pelos músicos de jazz que tocaram no placo Club.