WHISPER NOT: AUTOBIOGRAFIA DE BENNY GOLSON

A Temple University Press publicou o livro "Whisper Not: The Autobiography of Benny Golson", co-escrito com Jim Merod, autor de "The Political Responsibility of the Critic" e executivo da BluePort Jazz.

O livro, com mais de 330 páginas, cobre a vida do extraordinário compositor e saxofonista Benny Golson, que começou a tocar jazz há 70 anos. Golson - um NEA "Jazz Master" - tem atualmente 87 anos e é uma das estrelas mundiais do jazz, não só como saxofonista tenor, mas particularmente como compositor e arranjador.

Entre suas numerosas composições estão: "Killer Joe", "Along Came Batty", "Whisper Not", "Stablemates", "I Remember Clifford", etc., muitas das quais se tornaram famosas quando Golson tocava em conjuntos de Art Blakey - The Jazz Messengers, e o célebre e seminal "The Jazztet" que co-dirigiu com Art Farmer.

Esta autobiografia, bem como outras similares, constituem um excelente veículo informativo e histórico dos últimos 70 anos do desenvolvimento do jazz, já que Golson, que começou a tocar com Lionel Hampton, Johnny Hodges e Dizzy Gillespie, tocou nos anos seguintes e até o presente, com uma longa lista de gigantes do jazz, que dá uma idéia da riqueza histórica do livro.

Golson também passou um período, entre 1959 e 1962, compondo música para filmes e séries de televisão, dentre os quais: "Ironside", Misión Imposible", "Room 222", "MASH", "The Partridge Family", e outras.

Além do "Jazz Master" da NEA, Golson recebeu vários prêmios e honrarias em sua vida artística.

(traduzido e adaptado do blog Noticias de Jazz)

Série   “PIANISTAS  DE  JAZZ”

Algumas Poucas Linhas Sobre o Piano e os Pianistas

39ª Parte   -   1ª parte

(39)    AL HAIG    Piano na Linguagem de PARKER e GILLESPIE

Alan Warren Haig, AL HAIG, pianista americano, nasceu em 22/julho/1924 na cidade de Newark, estado de New Jersey (leste dos U.S.A. encravado entre Delaware, Pensilvania e  New York e cuja capital é Trenton).

AL HAIG possuía sólida formação musical, já que estudou teoria musical e piano desde a infância e até o bacharelato, também aprendendo harpa, clarinete e a família das palhetas. Graduou-se em piano no “Oberlin College”

Com 18 anos foi convocado para o serviço militar (1942 até parte de 1944).

Ainda amador e em 1944 tocou piano numa orquestra de baile e saxofone em uma fanfarra, mas a essa altura  já influenciado pela audição de Teddy Wilson, Nat “King” Cole, Mel Powell e de Billy Kyle, ingressou no JAZZ, debutando profissionalmente em Boston, isso ainda em 1944.

Na virada de 1944 para 1945 AL HAIG estreou na “Rua 52” com Tiny Grimes, sendo o único branco participante do movimento “Bebop”.

Foi recrutado por Charlie Parker e Dizzy Gillespie em 1945 e participou das históricas gravações para o selo “Guild” (gravadora fundada e extinta em 1945, cujas matrizes foram compradas pela “Musicraft” e mais tarde pela “Pickwick”).   Para essa gravadora foram gravados 03 temas em 28 de fevereiro (“Dizzy Atmosphere”, “Groovin’ High” e “All The Things You Are”) com o pianista sendo Clyde Hart, além de mais 04 temas em 11 de maio (“Salt Peanuts”, “Shaw ‘Nuff”, “Lover Man” e “Hot House”), já então com AL HAIG.   As gravações dos 04 temas com AL HAIG ao piano, sob o título de “Dizzy Gillespie And His All-Stars Quintet”, são  consideradas as primeiras do “Bebop” disponíveis comercialmente no mercado e às quais nos referiremos mais adiante.

Entre 1945 e 1946 AL HAIG gravou seguidamente com Gillespie, com o “Eddie Davis And His Beboppers”, com Fats Navarro, com o “Eddie Davis Quintet” já em 1947 e, após acompanhante titular de Parker de 1948 a 1950, com Stan Getz de 1949 a 1951.

A integração de AL HAIG com Parker  e Gillespie motivou outras gravações, em particular com Parker, a saber:

(a)   em 30/maio/1945 no “Lincoln Square Center” de New York com o tema “Sweet Georgia Brown”;

(b)  em 05/junho/1945 na “Academy Of Music” da Filadelfia com o tema “Blue ‘n’ Boogie”;

(c)   em 29/dezembro/1945 no “Billy Berg’s” em Hollywood / Califórnia com os temas “Shaw ‘Nuff”, “Groovin’ High” e “Dizzy Atmosphere”;

(d)  em 24/janeiro/1946  também no  “Billy Berg’s” em Hollywood / California com o tema “Salt Peanuts”;

(e)   em 18/julho/1947 no “Washington Music Hall” na capital americana com os temas “Scrapple From The Apple”, “Bernie’s Tune”, “C’Jam Blues”, “Ko-Ko” e “These Foolish Things”;

(f)    em 11, 12, 18 e 25/dezembro/1948 no “Royal Roost” de New York com os temas “Jumping With Symphony Sid”, “Groovin’ High”, “Big Foot”, “Ornithology”,  “On A Slow Boat To China”, “Hot House”, “Salt Peanuts”, “Chasin’ The Bird”, “Out Of Nowhere”, “How High The Moon”, “Half  Nelson”, “White Christmas”, “Little Willie Leaps” e “52^nd Street Theme”

(g)   ainda e também em 1949, 1950, 1951 e 1953 outras gravações, mostrando a continuidade da integração de AL HAIG com os dois maiores expoentes do “Bebop”, mais ainda com Parker nos anos 1948 a 1950.

O importante estojo com 05 CD’s “Charlie Parker Immortal Sessions, Volume I 1945-1948 e Volume II 1949-1953” (SAGA Continuation Ltda, 1996, Alemanha) nos fornece no Volume 1, CD 1, “Charlie Parker In The Studio 1945” os 04 temas gravados em New York em 11/maio/1945 com o grupo então denominado “Dizzy Gillespie And His All-Star Quintet” a que já nos referimos (“Salt Peanuts”, “Shaw’Nuff”, “Loverman” e “Hot House”), com Gillespie, Parker, AL HAIG no piano, Curley Russell no baixo, “Big Sid” Catlett à bateria e Sarah Vaughan no vocal em “Loverman”.  Ainda no Volume I e CD 5, gravações em 11, 12, 18 e 25 de dezembro de 1948 sob o título de “Charlie Parker Al Stars”, temos AL HAIG ao lado de Parker, Miles Davis, Tommy Potter no contrabaixo e Max Roach à bateria, nos temas “Groovin’ High”, “Big Foot”, “Hot House”, “Salt Peanuts”, “Out Of Nowhere”, “How High The Moon”, “White Christmas” (Kenny Dorham substituindo Miles Davis). 

Retornaremos com a “2ª Parte, Final” sobre AL HAIG

MUY POQUITO COM ITAMAR CARNEIRO TRIO

A simplicidade é a máxima sofisticação.
É por essas linhas que o guitarrista paulista Itamar Carneiro rege seu modo de ser, simples, que gosta das coisas simples; e faz do uso desta simplicidade um universo de histórias musicais.

Com muito talento e criatividade, ele apresenta seu primeiro disco solo, Muy Poquito, um registro independente em que traz um repertório autoral em 6 composições, fazendo uma fusão de ritmos latinos, muito influenciado pela música cubana, sem perder o swing e a linguagem da música brasileira.

Sem dúvida, uma música de extrema grandeza, emoção e singularidade.

Ao lado de Itamar Carneiro estão Shamuel Dias no baixo elétrico e Danilo Carvalho na bateria, um trio super integrado e com espaço para muito improviso, em uma sessão gravada sem cortes, sem overdubs, sem correção nem adição de mais nada, para que se perceba o som mais real possível, ao vivo.
O álbum abre com a forte melodia do tema título, cadenciado pela atmosfera latina e trazendo intensos improvisos de Itamar, Shamuel e Danilo. Em "Meu Porto, meu Cais", Itamar introduz o tema com um chord melody em uma belíssima balada; assim como na bossa "Um Mar de Saudade". O ritmo brasileiro marca o "Baião de Assis Carneiro", mostrando sua influência por Gonzagão em um mood muito particular; e o Blues tem presença em "Martino Blues", uma reverência ao guitarrista Pat Martino. Fechando o álbum, uma belíssima interpretação solo em "O Trem de Cabedelo".

Itamar usou uma Ibanez AF100 em todas as faixas, com exceção de "O Trem de Cabedelo", em que usou uma guitarra fabricada pelo luthier Aquiles, de Brasília, ambos plugados em um amp Fender Delux 112.

Com a palavra, Itamar Caneiro -

Conte sobre sua formação musical e como a guitarra se tornou protagonista em sua vida.
Me formei primeiramente no extinto Conservatório Padre Jose Mauricio, localizado na minha cidade São Bernardo do Campo. Antes disso tive aulas particulares com um excelente guitarrista da região, Ronaldo Mirandah. Eu tinha uns 16 anos e estava aprendendo tudo que eu podia sobre teoria musical e começava a empunhar a guitarra de uma maneira interessante. Foi quando esse meu primeiro professor me deu uns discos pra eu levar pra casa e ouvir, entre eles Larry Coryell e Toninho Horta. Lembro-me de ter ficado alucinado com aqueles dois discos, me fizeram chorar e foi a partir dali que tudo começou de verdade. Em seguida, com aquele som na orelha 24hs por dia, procurei o Conservatório Padre Jose Mauricio e tive outra grande sorte, um presente de Deus - encontrei outro super professor chamado Sergio Leão. O "Leão", como todos aqui em S.B.Campo o chamamos, me ensinou tudo, ele é um cara minucioso com os alunos e percebeu que eu tinha vontade de aprender. Estar como aluno sob o comando de suas batutas foi fundamental, sempre muito honesto e como professor não poderia ser diferente, atencioso com minhas duvidas, me acalmando com minhas ansiedades e procurando sempre me levar ao amadurecimento; foi assim durante quatro anos.
Depois fui para a FAAM onde estudei dois anos como o professor Marcelo Gomes, e tive as outras matérias do curso. Dai migrei definitivamente para a FASCS, Fundação Das Artes de São Caetano do Sul, onde estudei 5 anos cumprindo todo o conteúdo de um curso extremamente acadêmico, e lá meu professor de guitarra foi o Jorge Hervolini. Além disso, toquei na Big Band da FASCS por 2 anos sob a regência do Maestro Sergio Gomes.
Mais tarde procurei um cara que continua sendo um exemplo pra mim, o professor Heraldo do Monte, um ídolo e um super ser humano, cujo período de aulas durou apenas 5 meses.

"Muy Poquito" tem a formação de trio, sem instrumento harmônico. É um desafio tocar nesta formação?
Sim, é um desafio. Principalmente pra mim que só tocava em quarteto com um piano sempre me dando suporte. Na verdade, eu não sabia tocar em trio até este disco. Ainda tenho muito que amadurecer, e estou na busca por isso. Ainda sou uma criança aprendendo a dar os primeiros passinhos em relação a tocar em trio, onde a guitarra assume um papel de harmonizador.

Fale sobre os músicos que estão com você e como surgiu a ideia de registrar esta sessão.
Vou descrever isso da maneira mais honesta que eu puder. Começou com minha vergonha de ser eu mesmo. Eu tinha muita vergonha do meu sotaque, das coisas que escrevia, e me preocupava com “O que os outros iriam pensar de mim”; e é bem verdade que eu tinha um problema psicológico a ser resolvido. Eu escrevia melodias e as deixava na gaveta mofando.
O pouco tempo de aula com o Heraldo me ajudou muito; com as aulas comecei a pensar sobre o fato da existência humana, sobre o “Eu”, singular, único, especial.
Nesta gravação, como músico sei perfeitamente que preciso amadurecer muito, mas como ser humano, no que diz respeito a “certeza”, eu estava pronto. Na gravação fui eu mesmo com toda a verdade que pude ser. Fui feliz em gravar, muito feliz. Foi dessa maneira que comecei a pensar em registrar uma sessão de gravação dos meus temas.
Os músicos são meus amigos e companheiros de FASCS - o Shamuel Dias fez o baixo elétrico e cuidou de parte da Produção do disco, e o Danilo Carvalho fez a bateria. Ressalto que ambos são extremamente talentosos e pessoas do bem, dois cavalheiros. Fizemos 2 takes de cada faixa, mas eu escolhi os primeiros, com exceção do "Martino Blues".

A música cubana exerceu forte influência na linguagem do Jazz. Há uma presença muito forte desta textura em sua música, além da riqueza da música brasileira, em ritmo e melodia. Quais suas influências e/ou referências?
Ouço musica Cubana e latina desde criança, mas tenho um amigo que me fez mergulhar nisso e ouvir ainda mais - um filho de chilenos chamado Pablo Lopez. Eu tenho uma preferencia pela musica camponesa cubana, aquelas que só têm voz e três instrumentos, e tem uma melodia curta e simples. Isso me fascina. Gosto de coisas simples.
Tenho uma ligação muito forte com a natureza, principalmente com o mar, talvez pelo fato de ser neto de pescador. Minha família materna é de João Pessoa, e minha família paterna é do sertão do Rio Grande do Norte e Paraíba. Ouvi Gonzagão e companhia a vida toda. Acho que tudo se juntou na minha cabeça e saiu o que saiu. Adoro melodias e acho que consigo escrever coisas bonitas, gosto do que eu escrevo.
Então, minhas influencias musicais são musica de gente humilde mesmo, eu não me considero um músico sofisticado e não pretendo ser, gosto de coisas simples.

As composições longas abrem um bom espaço para explorar o lado criativo. Você acredita que a improvisação livre é um caminho natural para expressar emoção no tempo em que a música ocorre?
Pra mim, se uma melodia começa ela tem seu próprio curso pra ir aonde ela quer ir, e ninguém pode interromper isso. Penso como Carlos Drummond de Andrade, a poesia vem de uma estância maior, seja ela qual arte for, e nos improvisos a coisa pra mim é dessa maneira. A liberdade de criação nos improvisos requer muito estudo. Estudar os estilos musicais, as texturas, a historia da cultura de onde a música veio, e por ai vai.
Então, penso sim que o improviso é uma forma natural de se expressar com emoção, mas isso requer muito estudo, não da pra fazer isso do nada.

Belíssima composição solo em "Trem de Cabedelo". O que o inspira nesses momentos intimistas?
Uma Paisagem. La em João Pessoa, na cidade dos meus pais, tem um trem muito antigo que transita das cidades mais simples levando trabalhadores para João Pessoa, uma delas é a cidade de Cabedelo. O trem é periférico, pobre, feio, velho e mal tratado.
Se forem a João Pessoa, mais precisamente no centro velho, ao lado do Hotel Globo, vão entender minha inspiração. O trem passa entre construções antigas buzinando. Se quiser, pode ir a Cabedelo nele, é bem legal, é lindo. Isso me marcou. As coisas simples geralmente mexem muito comigo, e eu gosto de transpor isso para a música, a arte onde me coloco.

Obrigado Itamar Carneiro, e sucesso.

Você pode adquirir o disco Muy Poquito na Pops Discos e na Freenote.

ANIVERSARIANTES  DO  MÊS    -  JAZZ  &  OUTROS (63)

Setembro 19 a 21

19              Muhal Abrahams, piano / arranjo, Illinois, 1930

Fred Ahlert, composição, New York, 1892

Lovie Austin, piano / composição, Tennessee

Winston Clifford, bateria, Inglaterra, 1965

Don Thompson, saxofone.tenor, Canadá, 1932

Helen Ward, vocal / piano, New York, 1916

20              Steve Coleman, saxofone.alto, Illinois, 1956

Johnny Dankworth, saxofone.alto, Inglaterra, 1927

Bill De Arango, guitarra, Ohio, 1921

Red Mitchell, contrabaixo, New York, 1927

Jelly Roll Morton, piano / composição / lider / canto, Louisiana, 1885

Joe Temperley, saxofones, Escócia, 1929

21              Gene Harris, piano, Michigan, 1933

Chico Hamilton, bateria, California, 1921

Fred Hunt, piano, Inglaterra, 1923

“Papa Jack” Laine, bateria / lider, Louisiana, 1873

Tommy Potter, contrabaixo, Pensilvania, 1918

Slam Stewart, contrabaixo, New Jersey, 1914

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HIROMI UEHARA NO RIO

De figura totalmente desconhecida para mim até a criação do grupo de WhatsApp deste CJUB - ao qual faltam apenas os nossos Mestres de São Paulo e Niterói aderir -, a pianista japonesa Hiromi, como é mais conhecida, transformou-se no meu mais novo xodó jazzístico. Explico.

Criado o grupo, a conversa passou pelas atrações do Blue Note carioca, nova esperança de permanência e sucesso da casa nesta cidade sem jazz. Ela foi mencionada ali pois iria apresentar-se ao lado de um harpista colombiano(!) Edmar Castañeda. Para a dissipação parcial de minha completa ignorância a seu respeito, menções ao trabalho do duo foram as melhores possíveis, sendo que nosso confrade PWham, que assistira a ambos no Festival de Marciac/17, e cujo gosto jazzístico afina-se com o meu, endossou a escolha do clube.

Pois bem, comprados os ingressos (ser idoso nessa hora é uma beleza!), rumei com a chefa para ver sua apresentação. Já na entrada, uma surpresa: a harpa de Castañeda ficara retida em Bogotá e malgrado os esforços da casa em conseguir outra - sendo que a famosa harpista carioca Cristina Braga fora contactada e posto à disposição uma de suas quatro -, o colombiano não aceitava tocar em nenhuma outra, dadas as peculiaridades de sua própria, modificada para obter determinada sonoridade. Assim, desculpava-se a casa, muito profissionalmente, oferecendo não apenas acesso aos concertos-solo que Hiromi faria naquela noite, em 2 sets, como ingressos para o dia seguinte para o programado duo.

Foi, portanto, acidentalmente, que pude assistir a quatro sets com esse fenômeno do piano moderno, uma reencarnação de pianistas do passado aliada à admiração e influência de seus mestres do presente, tudo encaixotado num corpo pequenino e aparentemente frágil mas cuja vitalidade, força, ritmo, delicadeza versus pancadaria nas teclas, me encantaram a partir de seu segundo tema. Necessário dizer que, além de exímia executante, Hiromi é uma compositora de mão cheia, com idéias e andamentos ricos e complexos permeando suas obras. E as de outros também. Um negócio!, como diria o meu pai.

Variando sua atuação entre líricas passagens alatinadas (onde ouvi Chick Corea) e outras mais cerebrais (onde percebi a presença de um Keith Jarrett um pouco mais lírico, mais arredondado), passeando por solos só de sua mão direita à Oscar Peterson (ídolo declarado), a japonesinha, dona também de uma diabólica mão esquerda, trovejou alto nas teclas graves e fez chover chuva fininha nas agudas, alternando os climas entre explosivos e pianissimos de forma inebriante, recheados pela escolha de inusitadas mudanças de ritmo e acordes "ricos", escolhidos sabiamente por sua inteligência musical superior. Sua capacidade de emular pianistas dos calibres de Count Basie, Errol Garner, Bud Powell etc, e enfiar citações em momentos inesperados, com um sorriso cúmplice e divertido no rosto, ganhou a admiração de toda a platéia, composta tanto de aficionados como de gente comum.

Posto aqui um dos momentos mais cálidos de sua apresentação, quando "descansou" após um tema poderoso, brincando com a platéia. Mesmo assim pode-se perceber seu inesgotável arsenal de variações e a presença nítida de sua formação clássica.

Se fosse descrevê-la totalmente, teria de usar alguns posts. Este pretende ser um resumo do que vi, em 2 sets solo e no dia seguinte, aliada à bela harpa tocada por Castañeda, este um capítulo à parte.

Abraços!

CRÉDITOS DO PODCAST # 379

LIDER	EXECUTANTES	TEMAS / AUTORES	GRAVAÇÕES LOCAL e DATA
BARNEY KESSEL	Barney Kessel (gt), Harry "Sweets" Edison (tp), Georgie Auld (st), Jimmy Rowles (pi), Al Hendrickson (gt rítmica), Red Mitchell (bx) e Irv Cottler (bat)	LOUISIANA (J.C. Johnson / Andy Razaf / Bob Schafer)	Los Angeles, 26/junho/1955
	Barney Kessel (gt), Ray Brown (bx) e Shelly Manne (bat)	SATIN DOLL  (Duke Ellington / Johnny Mercer / Billy Strayhorn)	Los Angeles, março/1957
		I'M AFRAID THE MASQUERADE IS OVER (Herbert Magidson / Allie Wrubel	Los Angeles, novembro/1959
	Frank Rosolino (tb), Ben Webster (st), Jimmy Rowles (pi), Barney Kessel (gt), Leroy Vinnegar (bx) e Shelly Manne (bat)	JERSEY BOUNCE (Tiny Bradshaw / Edward Johnson / Bobby Plater / Robert Wright)	Los Angeles, 6/agosto/1957
	Mannie Klein (tp), Arnold Ross (pi), Barney Kessel (gt), Red Callender (bx) e Irv Cottler (bat)	TWELFTH STREET RAG (Euday L. Bowman)	Los Angeles, 12/dezembro/1947
	Conte Candoli (tp), Victor Feldman (vib),  Barney Kessel (gt), Paul Horn (fl, sa), Red Mitchell (bx) e Stan Levey (bat)	THE BIG BLOW OUT (Henry Mancini / Johnny Mercer)	Los Angeles, 1961
	Bob Cooper (st, oboe) Claude Williamson (pi), Barney Kessel (gt), Monty Budwig (bx) e Shelly Manne (bat)	BARNEY’S BLUES (Barney Kessel)	Los Angeles, 1/julho 1954
	Barney Kessel (gt) e Monty Budwig (bx)	STAIRWAY TO THE STARS  (Matty Malneck / Mitchell Parish / Frank Signorelli)	Los Angeles, 3/abril/1959
	Barney Kessel (gt), Jimmy Rowles (pi), Howard Rumsey (bx), Stan Levey bat) e Claude Williamson (arranjo)	BEGIN THE BLUES (Barney Kessel)	Live at "Irvine Bowl, Laguna Beach, CA, 20/junho/1955
	Barney Kessel (gt), Ray Brown (bx) e Shelly Manne (bat)	NAGASAKI (Mort Dixon / Harry Warren)	Los Angeles, 19/março/1957
	Bob Cooper (st), Hampton Hawes (pi),  Barney Kessel (gt), Red Mitchell (bx) e Chuck Thompson (bat)	64 BARS ON WILSHIRE  (Barney Kessel)	Los Angeles, 12/setembro/1955
	Marvin Jenkins (pi), Barney Kessel (gt), Jerry Goode (bx) e Stan Pepper (bat)	WHEN JOHNNY COMES MARCHING HOME (Traditional / Patrick S. Gilmore)	Los Angeles, 10/janeiro/1961
	Oscar Peterson (pi), Barney Kessel (gt) e Ray Brown (bx)	SALUTE TO CHARLIE CHRISTIAN (Barney Kessel)	Los Angeles, 19/dezembro/1953
	Bob Cooper (st), Hampton Hawes (pi), Barney Kessel (gt), Red Mitchell (bx) e Chuck Thompson (bat)	JEEPERS CREEPERS (Johnny Mercer / Harry Warren)	Los Angeles, 12/setembro/ 1955
	Marvin Jenkins (pi), Barney Kessel (gt), Gary Peacock (bx) e Ron Lundberg (bat)	BLUESOLOGY (Milt Jackson)	Los Angeles, 19/julho/1960

ANIVERSARIANTES  DO  MÊS    -  JAZZ  &  OUTROS (62)

Setembro 16 a 18

16              Lauren Bacall, atriz / canto, New York, 1924

Charlie Bird, guitarra, Virginia, 1925

Gary Cox, saxofones, Escócia, 1934

Jon Hendricks, canto / composição, 1921

B.B.King, guitarra / canto, Massachusetts, 1925

Earl Klugh, guitarra, Michigan, 1954

Rod Levitt, trombone, Oregon, 1929

Leo Reisman, violino / líder, Massachusetts, 1897

Mamie Smith, vocal, Ohio, 1890

Frank Szabo, trumpete, Hungria, 1951

Joe Venuti, violino, Pensilvania, 1903

17              “Brother Jack” McDuff, órgão, Illinois, 1926

Bill McKinney, bateria / lider, Kentucky, 1895

Louis Nelson, trombone, Louisiana,  1902

Hubert Rostaing, saxofone.tenor, França, 1918

18            Frankie Socolow, saxofone.tenor New York, 1923

Emily Remler, guitarra, New  York, 1957

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Série   “PIANISTAS  DE  JAZZ”

Algumas Poucas Linhas Sobre o Piano e os Pianistas

38ª Parte (final)

Sómente em 1932 ele aportou em New York, ainda assim como acompanhante da cantora Adelaide Hall com a qual realizou inúmeras gravações.   

Em 21 de março de 1933 TATUM gravou como titular para o selo Brunswick (discos de 78rpm, uma faixa de cada lado), causando sensação com “Tea For Two” e “Tiger Rag”, entre outras, cabendo notar que “Tiger Rag” permanece até hoje no rol das obras primas do JAZZ.  Conta-se que Stéphane Grapelli ao ouvir essa gravação jurava que eram 02 pianistas.

Durante 1935 e até 1937 TATUM radicou-se em Chicago como pianista no famoso “Three Deuces”, após o que transferiu-se para a Costa Oeste dirigindo pequena orquestra onde atuou Marshall Royal (saxofone e clarinete),  mais tarde integrante da banda de Count Basie.

Anteriormente e até 1938 ele apresentou-se em clubes de ponta desde Hollywood na Flórida (apresentações no prestigioso “Alabam” e sucesso em concerto no “Paramount Theatre”), passando por Cleveland no Mississipi (onde também atuou), passando o Tennessee e o Kentucky e retornando até Chicago em Illinois (no já citado e famoso “Three Deuces”).

Assim e com 28 anos TATUM já possuía a fama de melhor pianista da história do JAZZ de até então, conceito cultivado pelo público, pela crítica e pelos músicos, que o respeitavam, mesmo sendo TATUM muito reservado ainda que amável e educado no trato;    sempre foi difícil conhecer em detalhes sua vida pessoal, sua biografia;    de certa forma pode-se atribuir essa “introspecção” à sua invalidez visual, que talvez o tenha levado a cultivar o hábito de tocar nas madrugadas (“after hours”) em piano.solo.

Em 1938 TATUM apresentou-se no “Ciro’s” e no “Paradise Club”, ambos de Londres e com enorme sucesso de público e de crítica.

Em 1939 ele retorna aos U.S.A. via costa oeste, atuando no Mississipi, no Tennessee, em Kentucky e ultrapassando Ohio e Pensilvania chegar a New York e seus melhores clubes:   "Café Society Downtown”, “Onyx Club” e “Kelly’s”.

No “Café Society” TATUM teve como público o grande clarinetista e líder de “Big Band”  Artie Shaw acompanhado pelo extraordinário pianista ucraniano Vladimir Horowitz, que ficou impressionado com o “pianismo” de TATUM, tornando-se desde então um apaixonado admirador deste.  É importante o texto do livro “O Livro do Jazz – De New Orleans ao Século XXI” (Joaquim  E.  Berendt, 4ª Edição,2002, tradução de original alemão) onde assinala que “com TATUM surgiu um virtuosismo pianístico comparável àquele dos grandes pianistas da música de concerto – Rubinsten ou Cherkassy.......as cadências e passagens de velocidade, os arpejos e a ornamentação da música para piano do fim do século XIX estão presentes em TATUM tanto quanto o mais forte sentimento de blues................Sua aparição nos clubes de Nova York gerava  uma espécie de culto não apenas entre jazzistas, pois também pianistas de concerto, como Leopold Godowsky, Wladimir Horowitz e Walter Gieseking peregrinavam até o Onix Club na famosa "Rua  52", onde TATUM tocava regularmente....”

Entre 1941 e 1943 e paralelamente às atuações nos melhores clubes da “Big Apple”  TATUM atuou e gravou com orquestras, notadamente ao lado de Joe Thomas (trumpete) e Edmond Hall (clarinete) para acompanhar o cantor Joe Turner  e, também, integrando o grupo composto por Cootie Williams (trumpete), Coleman Hawkins (tenor), Edmond Hall (clarinete), Al Casey (guitarra), Oscar Pettiford (contrabaixo) e “Big Sid” Catlett.

Até o ano de 1943 ele foi, fundamentalmente, um pianista.solo e, a partir desse ano, passou a atuar em trio, tendo no contrabaixo Slam Stewart e na guitarra Tiny Grimes (a exemplo de Nat “King” Cole), alcançando então sucesso imediato e crescente.   Foi um marco para esses parceiros, um alto grau de  evolução no acompanhamento pois, como afirmava o professor e pianista Billy Taylor, “TATUM sózinho era toda uma orquestra”.

As gravações desse trio para o selo “MCA” constituiram-se em êxito imediato e permanentes (obras de colecionadores até hoje) e com TATUM, então, alcançando seu maior nível de popularidade.

Em 1944 (18 de janeiro) e dentro do concerto organizado pela excelente revista “Esquire” no “Metropolitan Opera House” (New York), em benefício dos soldados americanos que lutavam no “front” da IIª Guerra Mundial, TATUM apresentou-se ao lado de figuras como Louis Armstrong, Roy Eldridge, Coleman Hawkins, Jack Teagarden, Barney Bigard, Al Casey, “Big Sid” Catlet, Oscar Pettiford e Billie Holiday, atuando como solista e acompanhante   -   a gravação desse concerto foi destinada aos “V-Discs” (discos da “vitória"), hoje encontrada no mercado via “gravações piratas”.

TATUM substituiu o guitarrista em  seu trio  -  Everett Barksdale no lugar de Tiny Grimes  -  e  tornou-se estrela permanente “Rua 52”, reduto do “Bebop”, de onde partia em turnês anuais para concertos por todo o país.  

Pode-se afirmar que a  popularidade de TATUM somente não foi maior até o final dos  anos 1940, exatamente pelo advento do “Bebop” e das novas tendências a este simultâneas, mas na década seguinte, a dos anos 1950, TATUM retornou ao mais elevado nível, tanto que em 1953 assinou contrato com Norman Granz (selos VERVE, NORGRAM, CLEF...), gravando em apenas 03 anos dezenas de discos, todos com a participação da nata  dos músicos de então:  Lionel Hampton, Buddy Rich, Benny Carter e  Roy Eldridge, para citar alguns.

As seguidas noitadas de apresentações, as permanentes excursões, o abuso do álcool, as noites insones tocando e outros excessos, a partir dai iniciaram a cobrança de juros  debilitando a saúde de TATUM, que deveria moderar seu ritmo e estilo de vida.   Infelizmente ele se recusou a parar e seguiu atuando. 

Em 15 de agosto de 1956 realizou soberba apresentação para quase 20.000 assistentes no “Hollywood Bowl”.

Com Ben Webster TATUM registrou em disco seu derradeiro e excepcional desempenho, no dia 11 de setembro  de 1956.

Logo em seguida e no dia 04 de novembro, TATUM  foi internado no “Queen Of Angels Hospital” de Los Angeles onde, apesar dos constantes cuidados recebidos, veio a falecer por crise de uremia na semana seguinte (11 de  novembro de 1956)  -  contava  tão somente 46 anos ! ! !

Em vida TATUM foi admirado e aclamado até por aquele que era seu favorito, "Fats" Waller, contando-se a passagem ocorrida no "Panther Room" do "Sherman Hotel" de Chicago em que "Fats" Waler atuava:    parou de repente ante a chegada de TATUM e com voz solene anunciou:  "Senhoras e senhores, eu sou um pianista, mas Deus acaba de entrar nesta sala  -  apresento-lhes o extraordinário ART TATUM !

Entre as dezenas de gravações de ART TATUM destacamos:

-    Art Tatum 1934-1940, selo “Classic Records”, com as primeiras gravações acompanhando a cantora Adelaide Hall, a célebre “Tiger Rag” e gravações em sexteto

-       Art Tatum, selo “Gigantes do Jazz” para  a coletânea da Abril Cultural, com 12 faixas em diversas formações

-      Art Tatum  -  Body And Soul, coleção “Jazz Hour With…”, com 23 faixas gravadas entre 1938 a1946 em Los Angeles, sendo que 08 dessas faixas foram gravadas para os “V-Discs”

-       Art Tatum, coleção “Os Grandes do Jazz”, com 05 volumes e 72 CD’s, Ediciones del Prado S.A., 1ª Edição, 1996/1997, CD nº 6 dedicado a TATUM, com as faixas “Sweet Lorraine”, “I’ll Get By”, “I’ll Never Be The Same”, “Elegy”, “Can’t We Be Friends ?”, “I’ve Got The World On A String”, “I’m Coming Virginia”, “Day In, Day Out”, “Make Believe”, “Sweet Emaline, My Gal”, “Body And Soul”, “Lover”, “Poor Butterfly”, “Where Or When”

-       Art Tatum, CD nº 85 dedicado a  TATUM, dentro da coleção “The Jazz Masters – 100 Anos de Swing”, com 03 volumes e 101 CD’s, Ediciones Folio S.A.,  1ª Edição, 1997, 16 faixas, todas muito boas e muitos “clássicos”:  “Tiger Rag”, “Battery Bounce”, “Bodzy And Soul”, “Sweet Emaline”, “Whit Plenty Of Money And You” (uma maravilha!), “In The Middle Of Kiss”, “Stomping At The Savoy” (super dançante), “Hallelujah”, “Oh, You Crazy Moon”, “Make Believe”, “Day In, Day Out”, “St. Louis Blues”, “Tea For Two”, “I Wish Y Were Twins”, “Get Happy” e “Sweet Lorraine”   -   bela seleção

-      Piano JAZZ - The History, estojo com 10 CD’s percorrendo toda a evolução das escolas do piano no JAZZ, reservando para ART TATUM nada menos que 11 faixas (“Tiger Rag”, “Over The Rainbow”, “Rosetta”, “I Got Rhythm”, “Lover”, “Out Of Nowhere”, “Somebody Loves Me”, “Sweet Lorraine”, “Dancing In The Dark”, “Indiana” e “Just One Of Those Things”) - uma preciosidade

-       Art Tatum – Memories Of You, selo “Black Lion”, 03 CD’s  (“Standards”, “The V-Discs”  e  “Tea For Two”), um verdadeiro “curso” de ART TATUM e que resume muito bem a arte desse gênio das 88, em um total de 55 faixas, sendo difícil destacar as melhores já que todas são excelentes;   em todo caso citamos “Humoresque” de Dvorak, um primor.

  Final  -  Retornaremos nos próximos dias com AL HAIG