O'DAY & ELDRIGE, CHEZ KRUPA - THANKS FOR THE BOOGIE RIDE

MORRE A GRANDE LETRISTA BETTY COMDEM

Puxa, o que está havendo? Parece que todo o nosso patrimônio musical está se esvaindo.
Vc sabe quem é Betty Comdem? Reconheça no texto abaixo algumas das músicas que ela escreveu em parceria com Jule Styne e Adolph Green!
- 'Just in Time' ... I found you just in time, before you came my time e was running low ...
- 'New York! New York!' - it's a hell of a town ... - 'Isn't It Romantic' - 'The Party's Over' - ... the candle's flicker and dim ...

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Betty Comden, Lyricist for Musicals, Dies at 89 by Robert Berkvist - New York Times, November 23, 2006 - Betty Comden, who with her longtime collaborator Adolph Green wrote the lyrics and often the librettos for some of the most celebrated musicals of stage and screen, died today at New York-Presbyterian Hospital. She was 89 and lived in Manhattan. The cause was heart failure, said Ronald Konecky, her lawyer and the executor of her estate.During a professional partnership that lasted for more than 60 years, and which finally ended with Mr. Green's death in 2002, the Comden-Green blend of sophisticated wit and musical know-how lit up stage shows like "On the Town," "Wonderful Town," "Peter Pan" and "Bells Are Ringing." Their Hollywood credits included the screenplays for two landmark film musicals, "Singin' in the Rain" and "The Band Wagon."Through the years, they worked with composers like Leonard Bernstein, Cy Coleman, Jule Styne and André Previn, creating songs like "New York, New York," "The Party's Over," "It's Love" and "Some Other Time." They were adept at making their lyrics fit the mood, whether it was rueful ("Lonely Town"), raucous ("100 Easy Ways to Lose a Man") or romantic ("Just in Time"). The title of one of their own songs, from "Bells Are Ringing," summed up their joint career: it was truly a "Perfect Relationship" in which they met daily, most often Ms. Comden's living room, either to work on a show, to trade ideas or even just talk about the weather."We stare at each other," Ms. Comden said in a 1977 interview with The New York Times. "We meet, whether or not we have a project, just to keep up a continuity of working. There are long periods when nothing happens, and it's just boring and disheartening. But we have a theory that nothing's wasted, even those long days of staring at one another. You sort of have to believe that, don't you? That you had to go through all that to get to the day when something did happen." Ms. Comden, slim, dark-haired and composed, was the ideal counterbalance to the often rumpled, wild-haired and restless Mr. Green. Sometimes, during discussions, Ms. Comden would finish one of his sentences, or vice versa. Songs and shows grew that way, too, although the story was always the starting point."The book comes first," Ms. Comden said in the 1977 interview, recalling how the song "Just in Time" took shape. "At some point when we were working on 'Bells Are Ringing,'" she said, "Jule Styne wrote that tune. Dee da dum, da dee da dee da dum. We all agreed it had to be in the show somewhere, but for months we couldn't find a place for it, or even a title, but Jule was playing it all over town at parties, calling it 'Dee Da Dum.' And that became the official title until the point where, rewriting part of the book one day, the situation was there, and we finally wrote the words to fit 'Dee Da Dum.'"The starting point for their partnership was Greenwich Village where, in the late 1930s, they joined up with another aspiring entertainer named Judy Holliday and two other friends to form a cabaret act. They called themselves the Revuers and persuaded Max Gordon, the owner of a club called the Village Vanguard, that their act would be good for business. It was. The Revuers opened at the Vanguard in 1939, performing material that included freewheeling sketches like "The Banshi Sisters" and "The Baroness Bazuka," a zany operetta, and frequently accompanied at the piano by one of Mr. Green's friends, a talented young musician named Leonard Bernstein, who dropped in often enough to be taken for part of their act.The act's success earned them a movie offer and the Revuers traveled west in hopes of finding instant fame in "Greenwich Village," a 1944 movie starring Carmen Miranda and Don Ameche in which the newcomers turned out to be virtually invisible. Ms. Comden and Mr. Green came back to New York, where they resumed working at the Vanguard and other clubs. It was not long before they heard from their erstwhile accompanist Leonard Bernstein, who said he had been working on a ballet with Jerome Robbins and that the two of them had decided that the ballet, called "Fancy Free," had the makings of a Broadway show. They were looking for someone to write the book and lyrics. Ms. Comden and Mr. Green jumped at the chance and jumped into the limelight with their work on the show. The result, "On the Town," the story of three sailors on shore leave in New York, opened late in 1944 and was a smash. Both Ms. Comden and Mr. Green appeared in the show, he as one of the sailors and she as Claire de Loone, an amorous anthropologist. New Yorkers inside and outside the theater were soon humming the town's geography à la Comden and Green:The Bronx is up and the Battery's down,The people ride in a hole in the ground,New York, New York,It's a helluva town.Ms. Comden and Mr. Green were definitely on their way up, not to the Bronx but to big-time success.Betty Comden was born Elizabeth Cohen on May 3, 1917 in Brooklyn. Her father, Leo, was a lawyer, her mother, Rebecca, a teacher. She attended Erasmus Hall High School and studied drama at New York University, graduating in 1938. By that time, she had changed her surname to Comden, had had nose surgery to make her look more stageworthy, had acted with the Washington Square Players and had met and become friends with Mr. Green, another aspiring actor. Their circle soon included three other would-be entertainers, Ms. Holliday, Alvin Hammer and John Frank. Then came their decision to form the Revuers, and all else followed.Ms. Comden married Steven Kyle, a designer and businessman, in 1942. He died in 1979 and she never remarried. They had two children, a daughter, Susanna, and a son, Alan. Their son, a drug addict, contracted AIDS and died of complications of his addiction in 1990. She is survived by her daughter, Susanna Kyle, of Manhattan.Ms. Comden reminisced about her Brooklyn childhood, her student years and her long marriage in a 1995 memoir, "Off Stage," in which she also told of the difficult circumstances of her son's struggle with drugs. The book included tributes to some of her friends and colleagues, among them Mr. Bernstein and Lauren Bacall, but hardly dealt at all with her professional life. After the success of "On the Town," Ms. Comden and Mr. Green tried their hand at writing the book for another Broadway musical. "Billion Dollar Baby," which opened in 1945, had a score by Morton Gould, choreography by Mr. Robbins and was directed by George Abbott, but it was not as well-received.Hollywood called again and this time, for the most part, they had better luck. "Good News" (1947), with June Allyson and Peter Lawford as singing, dancing campus sweethearts, was their first screenplay. They wrote "The Barkleys of Broadway" (1949), which marked the film reunion of Ginger Rogers and Fred Astaire, and adapted "On the Town" (1949) for the screen, with Gene Kelly, Frank Sinatra and Jules Munshin as the freewheeling sailors navigating the streets of New York. They contributed heavily to the success of "The Band Wagon" (1953), the Vincente Minnelli musical for which they wrote the witty screenplay. The film had a score by Howard Dietz and Arthur Schwartz and starred Mr. Astaire, Cyd Charisse, Oscar Levant and Nanette Fabray. The Comden-Green screenplay received an Academy Award nomination.They were still wedded to Broadway, however, and their stage work during the next few years included the Jule Styne musical "Two on the Aisle" (1951), a revue with Bert Lahr and Dolores Gray; "Wonderful Town" (1953), an adaptation of the 1939 comedy hit "My Sister Eileen," with music by Mr. Bernstein and starring Rosalind Russell and Edie Adams as two sisters from Ohio trying to make it in the Big Town; and, most notably, "Bells Are Ringing."That 1956 musical reunited them with Ms. Holliday, who headed the cast as an operator at an answering service who falls in love with one of the service's male clients (Sydney Chaplin), after listening to his voice over her telephone line. The score included the comic lament "I'm Going Back (To the Bonjour Tristesse Brassiere Company)" as well as some songs that became part of the standard pop repertory, like "Just in Time," "Long Before I Knew You" and "The Party's Over," which ended with the melancholy verse: Now you must wake upAll dreams must endTake off your make-upThe party's overIt's all over, my friend.Ms. Comden and Mr. Green also wrote the screenplay for the 1960 film version, which starred Ms. Holliday.Even their less successful shows yielded musical nuggets, one example being the 1960 "Do Re Mi," which had a book by Garson Kanin, music by Mr. Styne for which they wrote the lyrics, and which featured Phil Silvers and Nancy Walker. That largely unmemorable score included one gem, "Make Someone Happy."Ms. Comden and Mr. Green went on to write "Subways Are for Sleeping" (1961), with Carol Lawrence and Mr. Chaplin, and "Fade Out-Fade In" (1964), with Carol Burnett and Jack Cassidy, both shows with music by Mr. Styne; the lyrics for "Hallelujah, Baby" (1968), which had music by Mr. Styne, a book by Arthur Laurents and which starred Leslie Uggams and Robert Hooks, and then wrote the book for "Applause" (1970). Adapted from the film "All About Eve," with music by Charles Strouse and lyrics by Lee Adams, the show starred Lauren Bacall as the take-no-prisoners movie queen Margo Channing played by Bette Davis in the film.In the years that followed they teamed up with the composer Cy Coleman for "On the Twentieth Century" (1978), based on the Ben Hecht-Charles MacArthur play about a flamboyant movie producer (John Cullum) and his leading lady (Madeline Kahn), traveling from Hollywood to Broadway on the Twentieth-Century Limited in the 1930s. The show was a hit and brought them Tony Awards for their book and score. In 1982 they wrote the book and lyrics -- Larry Grossman wrote the music -- for what was meant to be a kind of musical sequel to Ibsen's "A Doll's House," but the result, "A Doll's Life" (1982), was a four-performance disaster.Their last major Broadway show was "The Will Rogers Follies," a 1991 Ziegfeld-style extravaganza with music by Mr. Coleman, book by Peter Stone and direction and choreography by Tommy Tune. Keith Carradine starred as the folksy humorist-philosopher. Despite mixed reviews the show won six Tony Awards, including one for the music and lyrics, and enjoyed a run of two and a half years. By the time "Will Rogers" came along, Ms. Comden and Mr. Green had worked together for more than a half-century. On Broadway, starting with "On the Town" in 1944, they had won a shelf full of Tony Awards. In 1991 they were among the recipients of that year's Kennedy Center honors for their contributions to American musical theater.Their early Hollywood credits included "Take Me Out to the Ball Game" (1949), with Gene Kelly, Frank Sinatra and Esther Williams, and "It's Always Fair Weather" (1955), with Mr. Kelly, Dan Dailey, Michael Kidd and Ms. Charisse, for which their screenplay received an Academy Award nomination. A bittersweet sequel of sorts to "On the Town," the plot of "It's Always Fair Weather" revolved around the reunion a decade after World War II of three former G.I. companions who find that time has altered their friendship for the worse. "I don't think there's ever been a musical quite like it," Ms. Comden said in a 1999 interview with The Times. "The corrosive effect that time has on friendships -- that's a very unusual subject for a musical." She and Mr. Green said it was one of their favorites.After their stage debut in "On the Town," they didn't perform on Broadway again until 1958, when they appeared in "A Party with Betty Comden and Adolph Green," a revue that included some of their early favorites like "The Baroness Bazuka," which they described as a tribute to the Shubert brothers ("J. J., O. O., and Uh-Uh."). The revue was well received and they brought an updated version back to Broadway in 1977.Ms. Comden also performed in films from time to time. She acted in Sidney Lumet's "Garbo Talks" (1984), in which Mr. Green also made a fleeting appearance, and James Ivory's "Slaves of New York" (1984). She appeared on stage in 1983 in a rare dramatic role in Wendy Wasserstein's "Isn't It Romantic," playing the mother of a footloose girl waiting for Mr. Right to come along.In 1999 Ms. Comden and Mr. Green were saluted by their peers in a two-night program at Carnegie Hall. Elaine Stritch and Brian Stokes Mitchell were among the performers who sang numbers from the Comden-Green repertoire. Recent Broadway revivals of their work included a 2001 production of "Bells Are Ringing" starring Faith Prince, which closed after a brief run, and the 2003 revival of "Wonderful Town" with Donna Murphy, which settled in for a long stay at the Al Hirschfeld Theater.After Mr. Green's death in October 2002, Broadway turned out in force two months later for a memorial program at the Shubert Theater. Kevin Kline, Joel Grey, Ms. Bacall and others paid affectionate tribute to Mr. Green in song and story. At one point during her own reminiscence about Mr. Green, Ms. Comden paused and said to the audience, "It's lonely up here." After six decades, the perfect relationship was over.

HOMENAGEM A ANITA O' DAY

Um exemplo de técnica adequada e suficiente a que se propõe o talento. Anita, com a extensão de voz um tanto limitada, possuía um magnífico charme ao cantar. Adepta do scat singing com muita habilidade, sem exageros, divisão perfeita, modulação elegante e com soberbo senso de fraseado que lhe permitia improvisar com facilidade, enfim uma jazzísta de primeira. Deixará muitas saudades.
Podemos ouví-la em um clássico de Richard Rodges e Lorenz Hart, inteiramente em scat onde mostra aquilo que exaltamos acima -Slaugther on 10th Avenue - com a fantástica Bill Holman's Orchestra:

Bill Holman (st, arranjo e líder), Conte Condoli, Al Porcino, Ray Triscari, Stu Williamson (tp), Bob Edmonson, Lew McCreary, Frank Rosolino (tb), Kenny Shroyer (bass tb), Charlie Kennedy, Joe Maini (sa), Richie Kamuca, Bill Perkins (st), Jack Nimitz (sb), Lou Levy (pi), Al Hendrickson (gt), Joe Mondragon (bx), Mel Lewis (bat). Gravação: 23/agosto/1960 – Hollywood - Fonte: CD - Incomparable! Anita O'Day - Verve V6-8572 (314 589 516-2)

Clicar para ouvir - MÚSICA

Peço vênia ao Mestre MaJor para, intrometendo-me em outro de seus sempre ótimos posts, diponibilizar esta versão de Anita, de Sweet Georgia Brown, no Festival de Newport de 1958. Mau Nah

PARKER & LAFARO

São 45 anos com os ouvidos ligados, conectados ao jazz. Tudo começou via TV, seriado Peter Gunn(1958/61), minha primeira informação sobre o assunto. Graig Stevens, que fazia o papel principal, tinha uma namorada linda, cantora de um bar. A música era do Mancini. Sempre no inicio ou final de um capítulo havia espaço para uma canja do pequeno grupo e a voz de Lola Albright, que fazia o papel da “crooner”. Se não era jazz de primeiro escalão, tinha conseguido me fascinar. Logo vieram os Brubecks, Petersons, Gillespies, Coltranes e etc. Nunca me preocupei em estudar a matéria, o início de tudo. Sabia da importância de um Armstrong, Ellington, Kenton e tantos outros craques anteriores. Tinha apenas sede de ouvir o jazz que se fazia na época. Depois de toda essa trajetória e metodologia, do nada, cheguei a uma conclusão sobre quais seriam na minha opinião os dois mais significativos instrumentistas até hoje. Demorei para chegar aos nomes. Hoje tenho a coragem de revelar: Charlie Parker e Scott LaFaro.
Há algumas coincidências entre os dois. Morreram cedo (Parker, 34, e LaFaro, 25).
Os dois revolucionaram seus instrumentos, deixando uma escola até hoje inigualável.
Possuíam técnica incomum para a época. Se Parker não chegou a ouvir LaFaro, este, pelo estilo e arrojo, ouviu “Bird”. Se Parker continuasse vivo, não existiria outro para enfrentá-lo. O mesmo em relação a LaFaro. Gary Peacock e Eddie Gomez bem que tentaram. Mingus não tinha igual senso de improvisação, muito menos Carter - as frases ao mesmo tempo líricas e complexas. Qualquer contrabaixista moderno nada acrescenta ao que LaFaro fez na antológica noite de domingo no Village Vanguard com Bill Evans e Paul Motian, 11 dias antes de morrer em acidente de carro. Quem ouvir aquelas gravações com o cuidado que merecem, perceberão um Evans coadjuvante. Se Brian Bromberg é tido pelos músicos americanos como a fera atual do baixo acústico, ele é ainda apenas afluente de LaFaro. A concepção é a mesma, assim como a de Gomez e Peacock .
Quanto a “Bird”, tudo igual. Nenhum outro saxofonista atinge o mesmo vigor e espontaneidade do improvisador. Meio século e ninguém passa perto. Parker era capaz de criar climas mirabolantes em poucos segundos de solo. Coltrane, tal como Miles, optou por uma linguagem paralela, movida à emoção. Não havia (e não há) como seguir os passos de Parker. Quem quiser, vai quebrar a cara (Cafiso??).
Não achei outro nome com os mesmos atributos - procurei músicos que fizeram escola e que se ainda vivos fossem atuais em seus instrumentos. Pensei em Bud Powell, mas falharia na técnica. O mesmo em relação a Monk . Pensei em Ellington, Coltrane, Miles, Gillespie, Dolphy.........Bill Evans jamais teve "swing". Quem poderia ser esse terceiro, quarto, quinto...? Peço ajuda aos cejubianos, advertindo que Parker e LaFaro são escolhas apenas pessoais. E só me refiro aos instrumentistas.

PS. Charles Parker, Jr morreu em 1955. Rocco Scott LaFaro, em 1961

ANITA O'DAY

Amigos,
Mestre Raffa me passou email informando sobre o passamento da cantora
Anita O'Day ocorrido ontem. Foi vítima de uma pneumonia tendo falecido aos 87 anos.
Uma das remasnecentes da era do Swing, quando começou como "lady crooner" da banda de Gene Krupa. Em carreira solo gravou uma série de álbuns espetaculares sempre acompanhada por grandes orquestras como as de Billy May, Jack Shelodon, Buddy Bregman,Marty Paich,Russ Garcia e outros. Seu álbum com o trio de Oscar Peterson é referência na história do Jazz vocal. R.I.P.
llulla

- HOMENAGEM PÓSTUMA A MOACIR SANTOS -

Realizou-se terça-feira última, dia 21 de novembro, na Casa França-Brasil, uma homenagem póstuma a Moacir Santos - um dos maiores compositores e arranjadores brasileiros de todos os tempos - premiando o conjunto da sua obra. O evento, patrocinado pela Shell, contou com as presenças da esposa e do filho do maestro.

A Orquestra Ouro Negro abrilhantou a cerimônia tocando as composições do saudoso maestro. Gostaria muito de ter assistido, mas não fui convidado. Segundo relatou em seu blog o meu amigo Antonio Carlos Miguel, presente ao evento, “parece que a Shell, que banca a festa da entrega de seu prêmio de música pelo conjunto de obra, regulou os convites - muitos músicos da banda não puderam levar seus amigos e familiares - a gente mesmo tinha um monte de amigos que adoraria estar ali”.

Acompanhei a carreira de Moacir Santos desde sua chegada ao Rio há “alguns séculos”. Bonachão e sempre bem-humorado, tudo estava bem para ele. Várias vezes ele tocou sax-tenor em jam sessions que organizei juntamente com alguns amigos jazzófilos. Bons tempos em que as jams eram freqüentes e apareciam dezenas de músicos sedentos para tocar jazz.

Devemos exaltar o entusiástico trabalho do violonista Mario Adnet e do saxofonista Zé Nogueira, que organizaram a Orquestra Ouro Negro para manter viva a obra monumental do maestro. Esse esforço e tenacidade da dupla, inclusive gravando três CDs com várias composições dele, abriu as portas para as novas gerações conhecerem sua obra imortal.

Aproveito para relatar um fato pitoresco da minha vida - no mínimo insólito - ligado ao saudoso maestro. Há anos escrevi no Jornal do Brasil uma resenha altamente favorável sobre o clássico disco "Coisas", de Moacir Santos, lançado pelo selo Forma. Dias depois, eu e Moacir fomos acusados pelo xenófobo crítico José Ramos Tinhorão, nas páginas do mesmo jornal, de "traidores da música brasileira vendidos ao imperialismo americano". Chega a ser cômico de tão ridículo, não acham ? Até que seria uma boa caso o governo americano me destinasse uns trocados cada vez que escrevi sobre jazz – juro que teria ficado rico, pois foram milhares de vezes!

Perguntar não ofende: será que o governo brasileiro pagava ao trêfego crítico para defender a MPB contra "jornalistas vendidos ao imperialismo americano"?

MANFREDO FEST

Pianista, compositor e arranjador do qual já tinha pensado em rabiscar a respeito, continuando assim a serie desse meu instrumento favorito, sendo o que deu mais enfase e entusiasmo para tal foi o bom "dvd" (produção inglesa???), que me foi presenteado pelo novo confrade Carlos Montes (e já emprestado ao Benex), que é uma apresentação do Manfredo nos E.U.A., em duo com o baixista Brian Torff, que não comentarei agora.
Pois é, esse extraordinário pianista de descendencia germânica, cego mas que aprendeu a ler partituras em braile, pouco conhecido da grande maioria, começou por Porto Alegre onde nasceu, passando por Rio e São Paulo quase sempre com seu trio e chegando aos E.U.A. (onde faleceu do coração aos 63 anos), para onde foi levado nos anos 60 por Sergio Mendes para participar do "Bossa Rio", grupo no qual atuavam Pery Ribeiro e Gracinha Leporace, hoje Sra. Mendes, e que fazia a abertura das apresentações do "Brasil 66", cujos muitos arranjos também eram do Manfredo.
Pouco gravado por aqui, a maioria ainda no velho vinil, tem mais registros lá fora, principalmente nos E.U.A., inclusive na "Concord Records" e com musicos como Claudio Roditi, Scott Hamilton e David Finck entre outros.
Pianista de grande sensibilidade, seguidor por razões obvias da escola George Shearing mas sem óculos, muito embora tivesse sua própria identidade musical e por quem teve gravado suas musicas "Seresta" (Serenade) e "Brazilian Dorian Dream".
Um dos seus últimos cd's, gravado pela DMP (não lançado no Brasil) de 1998, chamado "Just Jobim" com David Finck (baixo) , Cyro Baptista (percussão) e Steve Davis (bateria) foi uma especial homenagem ao nosso maestro soberano e que considero uma das melhores,senão a melhor entre tantas lançadas por aí.
São 12 temas que vão desde "Aguas de Março" até "Luisa", passando por "Ligia", "Corcovado", "Chovendo na Roseira", "Amparo" e lógico "Wave", "Desafinado" e "Garota de Ipanema" com leituras bem características e livres, onde Manfredo solta a mão no bom sentido,com muito suingue "jazz bossa", que recomendo até aos jazzófilos mais exigentes na certeza de não se decepcionarem, muito pelo contrário, vão se orgulhar de mais esse grande pianista da nossa safra.
Registro ainda para a genial cosinha com David Finck passeando pelo contrabaixo com arco e tudo mais, Cyro Baptista brilhando na percussão dos seus chocalhos e triangulos, e finalmente para o correto ritmo na medida do baterista Steve Davis.

É só.

Sazz

DELIRA NO ARMAZÉM - Última Semana

Quem se deliciou com o show de Haroldo Mauro Jr. em uma das memoráveis noites promovidas pelo CJUB no Mistura Fina, não pode deixar de assistí-lo neste último final de semana de festival. Para aqueles que gostam também de um som mais brasileiro, o festival se encerra com o show de Ricardo Leão. Aguardo vocês lá. Abs,
PegLu

24/11 - Haroldo Mauro Jr. - Pianista e mestre em composição, fez parte dos grupos de duas lendas da música brasileira: Victor Assis Brasil e Edison Machado. Trabalhou durante 20 anos nos EUA onde assimilou o bebop e tornou-se um autêntico pianista de jazz sem, contudo, abandonar o repertório de compositores brasileiros. Neste show estará acompanhado por Sérgio Barrozo (baixo) e Márcio Bahia (bateria).

25/11 - Ricardo Leão - pianista, produtor, arranjador, compositor e diretor musical, é hoje um dos músicos mais atuantes da cena musical brasileira. Acumula prêmios, colaborações com diversos artistas da MPB e traz a sua assinatura em mais de 150 discos. Compõe trilhas para TV, teatro e cinema. Atua como produtor musical do Programa “Sob Nova Direção" (TV Globo). Deste show participam Sandro Guimarães (sax), Rômulo Duarte (baixo) e Cacá Colón (bateria).

O Armazém Digital fica no Rio Design Center Leblon - Av. Ataulfo de Paiva, 270 Loja 104 - Subsolo.
Sempre às 21 horas.
Ingressos: R$ 20,00 (sem consumação mínima)
Tel: 2274 5999

HERSCH PLAYS MANDEL - @@@@

Exatamente amanhã, 23 de novembro, Johnny Mandel (John Alfred) estará completando 81 anos. Considerado entre os americanos como um dos seus mais completos compositores - vide trilhas sonoras como “The Sandpiper” e “M.A.S.H” - Mandel ostenta entre os músicos brasileiros a fama de extraordinário arranjador (cordas, principalmente). Há quem diga que Luis Eça foi seu aluno. E outros, como Dori Caymmi, sofreram dele forte influência. Muitos jazzistas e, principalmente, cantores, já usufruiram do seu enorme talento. Sinatra, Bennett, Natalie Cole, Shirley Horn, "Little" Jimmy Scott, Carmen McRae, Michael Feinstein e Diana Krall, entre outros. O trombonista Bill Watrous, em 1993, gravou um CD só com os seus temas, assim como o atualíssimo Fred Hersch em piano solo – o CD foi nominado ao Grammy. Hersch deve ser indicado novamente este ano pelo CD ao vivo gravado com a cantora Nancy King, uma unanimidade entre a crítica americana. Fred Hersch - “I Never Told You: Plays Johnny Mandel” (Varese, 1995) está fora de catálogo, mas é um trabalho primoroso, que merece a atenção dos cejubianos.

22 DE NOVEMBRO, DIA DO MÚSICO

Cool Slideshows

"O QUE É BOM JÁ NASCE FEITO
E ESTÁ PERFEITAMENTE INSERIDO NESTE CONTEXTO DIVINO
QUE É O DOM DE SER MÚSICO"

Palavras de Hermeto Pascoal, estampadas na capa do primeiro disco do saxofonista franco-carioca Idriss Boudrioua.

E fica registrada a homenagem ao dia de hoje, 22 de novembro, DIA DO MÚSICO.

Àqueles que nos proporcionam momento de pura beleza, magia e que fazem a trilha sonora da nossa vida !

Parabéns a todos os músicos pela data de hoje !

PIANISTAS E SUA FASE PÓS-POP-M****

Não sou retrógrado. Sou capaz de reconhecer os benefícios e até a beleza de um teclado usado com parcimônia. Acontece que, depois de anos como pianistas consagrados de Jazz, alguns deles decidiram provar da maçã de Eva dos samplers, DX-7, Rolands e Yamahas da vida.

Alguns, felizmente, provaram da maçã e cuspiram fora. Casos como o do Bill Evans com uns poucos discos usando teclados e mesmo assim dentro de sua ambiência jazzística.

Ocorre que os teclados-samplers abriram uma fantástica e horrorosa possibilidade de criar novos timbres e os tecladistas passaram a contar com um novo filão de mercado, atraindo para si belos contratos. O Eumir Deodato embarcou nesta há décadas e se tornou um dos maiores criadores de timbres do mercado. Este é o campo bosta-pop.

Nesta onda, embarcou gente do calibre de Chick Corea e Herbie Hancock. Talvez mais sábio comercialmente, Corea soube separar as suas bandas Akoustic e Elektric, mantendo a sua produção de belas obras jazzísticas na Akoustic Band destarte a mania de criar timbres na Elektric Band. Hancock, por sua vez, passou a produzir Jazz erraticamente, caiu de boca nesse pós-pop bosta, gravando aquela série insuportável iniciada na Columbia Records desde 'Survival of The Fittest' até 'Thrust'.

A apresentação de Hancock no Festival de Jazz do Rio de Janeiro em 2006 deu bem a medida do material boiante que se jogou no público. Hancock apareceu com 3-4 engenhocas, um saxofonista da pesada, um baixista pirotécnico e uma baterista fungante. Um desrespeito a um público que adquiriu ingresso caro para um espaço de Jazz. A produção do Festival deixou passar, mais interessada no faturamento da lotação esgotada por imberbes de cabelo espetado de olhos vermelhos e vestimenta dark. Oh,yeah.

Felizmente, Ahmad Jamal ainda está vivo, bem como tantos outros que não se contaminaram com o vírus pop para faturar mais. Acima de tudo, ele estava lá naquela mesma noite, do alto de seus quase 80 anos, para mostrar o digno respeito a tudo que construiu. Há muito de Jazz acústico por aí, não há o que reclamar do mercado. Entretanto, o pecado da escolha cínica do espaço de Hancock no Festival é que realmente pegou mal.

Além de Hancock, há mais tecladistas que enveredaram pela caminho de Eva. Lembro o halterofilista George Duke, desconfigurado com aquela incrível capacidade de digitalização aliada a uma técnica estupenda a serviço do nada. Quanto desperdício! Lembro também do Bob James, que se deu bem naqueles discos da CTi vendendo que nem banana preta em fim-de-feira.

Deixo de citar outros por pura má vontade.

HISTÓRIAS DO JAZZ, 14: GULDA "SE MANDOU"

Essa aconteceu em meados da década de sessenta, quando o “Clube de Jazz e Bossa” passou a fazer suas reuniões musicais no Copacabana Pálace. O grande pianista austríaco Friedrich Gulda veio ao Rio para apresentar um “Ciclo Beethoven” em nosso Teatro Municipal. Sabendo que o mesmo também tocava Jazz ,alguém sugeriu que fosse convidado para uma “canja” em nossa reunião de domingo. Foi Sylvio Tullio Cardoso quem anunciou que o convite fora aceito e que Gulda tocaria para nós.
Casa cheia e a tarde começou bem com o quarteto de Victor Assis Brasil abrindo a programação. Após tocar um dos últimos números, um senhor levantou-se de sua mesa e perguntou em voz alta qual era o nome do tema . Victor respondeu : “Three flowers”. E o senhor indagou : “The composer ? ” e Victor respondeu : McCoy Tyner. Após o último número a ansiedade tomou conta da platéia. Chegara a hora de ouvir e ver Gulda tocando Jazz. Entre-tanto, após dez minutos ,sobe ao palco Ricardo Cravo Albim e informa meio sem jeito que Gulda, cansado após seu último concerto não compareceria, ao mesmo tempo em que o senhor que interrogara Victor subia ao palco pela escada lateral e se sentava ao piano. ERA O PRÓPRIO GULDA. Após as gargalhadas que gozaram o Albim assumiu a bateria Oswaldo de Oliveira Castro enquanto o contrabaixo estava abandonado encostado à parede. Gulda deu dois ou três acordes anunciando o rítmo, Oswaldinho atacou e tudo parecia bem até o austríaco notar que não havia ninguém no contrabaixo. Parou de tocar, levantou-se do piano e com um “I’m sorry” ,irritado retirou-se do palco.
Não tenho certeza se o contrabaixista era Sérgio Barroso. O que comentavam é que ele aproveitou o intervalo para namorar e a maionese desandou.
Claro, as opiniões se dividiram. Uns achavam correta a posição de Gulda enquanto outros, como Sylvio Tullio Cardoso, acharam que aquilo não passava de um “ataque de estrelismo”. Coisas do Jazz.
llulla

MUSEU DE CERA # 7 – FATS WALLER

A 21/maio/1904 em New York nascia Thomas Wright Waller filho de um ministro da igreja Batista Abissínia e desde cedo aprendeu o órgão e o piano com sua mãe. Na escola tocou na orquestra dirigida por Edgar Sampson ganhando um prêmio para amadores aos 15 anos no Roosevelt Theater executando Caroline Shout de autoria do pianista James P. Johnson e assim sua carreira se inicia com alguma orientação de Johnson seu professor informal.
O apelido de Fats, naturalmente por ser bem gordinho veio logo, ainda rapaz, ao iniciar a carreira profissional tocando em festas, vaudevilles e cinemas.

Em 1922 faz as primeiras gravações e em 1927 compõe em parceria com Johnson várias canções para o show Keep Shufflin. Dois anos mais tarde Waller escreve as músicas para Hot Chocolates uma peça da Broadway com letras de seu amigo Andy Razaf e daí surge um de seus maiores sucessos Ain't Misbehavin introduzida no show por Louis Armstrong.

Em 1934 em uma festa dada por George Gershwin, Fats se destacou tocando, cantando e encantando um executivo da Victor Records que o leva de volta para a companhia gravando intensamente a maioria sob o nome Fats Waller and his Rhythm, um sexteto.

Assim, permanece até 1943 quando falece inesperadamente devido a uma pneumonia estando a bordo de um trem próximo a Kansas City.

Fats Waller adotou o estilo stride dos pianistas do Harlem influenciado por Johnson um dos criadores, desenvolvendo uma magistral e possante mão esquerda dando o suporte rítmico-harmônico às variações não menos magistrais da sua direita, sempre com muita imaginação. Além do piano cultivou uma vocalização teatral, cheia de humor, do bom humor com falas e gritos eufóricos, muito interessante, mas isto fica para outra seção do Museu, e vamos nos deter no piano de Fats ouvindo A Handul of Keys que demonstra todo seu virtuosismo jazzístico num autêntico stride, que refletia de uma certa forma a modernização do ragtime.

A HANDFUL OF KEYS (Fats Waller) – piano solo de Fats Waller – Gravação original: Victor (V38508-mx49759) de 01/03/1929, Camden, New Jersey. Fonte: CD Fats Waller Greatest Hits (RCA 68495) - 1996.

MÚSICA

VERÍSSIMO - O GLOBO DE 19.11.2006 - ENQUANTO JAZZÓFILO, ÓTIMO HUMORISTA

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Bomb-sheshéu querendo o lugar da Bomb-shell

Mais uma vez, a Downbeat estará distribuindo, na edição de dezembro, o seu poll anual de leitores sobre os melhores em diversas categorias do Jazz, incluindo Female Vocal, na qual a introdução de brasileiras em detrimento de cantoras americanas de Jazz é sempre fator de apreensão dos meios Jazzísticos americanos e até brasileiros.

Talvez o que se esteja criticando não é a presença de tais cantoras em si, porém a forma enganadora de indução mercadológica que é empregada, pela qual, ao nosso ver, a revista é, inclusive, 'literalmente usada'. O que está por detrás disso tudo é, na verdade, uma grande disputa entre as cantoras brasileiras da atualidade pelo espaço mercadológico representado pela música brasileira no Music American Business e também nas praças do Japão e da Inglaterra.

A fórmula enganadora é simples. Ela se baseia no tupiniquismo tipicamente brasileiro de aceitar e valorizar qualquer postura ou manifestação americana como chancela de um trabalho artístico. O macete consiste em pegar uma artista desconhecida lá e cá, arrumar um produtor-empresário eficiente e conhecedor do meio e bancar gravações com 'medalhões' da cena americana que, por sua vez, dão a sua chancela ao produto. Pronto o disco, a 'bomb-sheshéu' é lançada lá como 'a grande sensação da música de cá'. Ora, isso sempre funcionou razoavelmente quando a velocidade da informação não contava com a internet, ou seja, até os americanos descobrirem que a tal grande sensação brasileira é um blefe, muitas crenças iam se consolidando. Hoje a coisa mudou: eu já fiquei sabendo do resultado da revista que ainda não está nas bancas via internet. Também já constatei forte polêmica em torno de uma matéria que, portanto, ainda não foi nem publicada.

Ao mesmo tempo, no lado Brasil, o 'marketing' enganoso começa a atuar, com a divulgação dos shows onde a cantora é apresentada como a fantástica fulana, prestigiadíssima nos Estados Unidos, que já gravou com beltrano, cicrano, o escambáu. Paralelamente, cooptasse alguns formadores de opinião, até do meio do futebol (não importa), qualquer meio vale, que bostejam aqui e ali, nos meios freqüentadores e ... pronto: está formada a cadeia enganadora. Há também um séquito de bobalhões, típicos 'marias-vão-com-as-outras' que não tem opinião própria (não entendem chongas) e vão espalhando comentários que nem ventrílocos, fortalecendo o marketing da bomb-sheshéu.

Graças à Boa Música, quase sempre não é assim! A estória das cantoras brasileiras que vão buscar sucesso internacional é longa. Que eu me lembre, começou com Carmem Miranda, que saiu daqui já consagrada e chegou lá para obter um merecido reconhecimento por seu 'artistry', como se ela precisasse disto.

Depois de Miranda, só me lembro da Astrud Gilberto, que embarcou sem querer em 'Garota de Ipanema' com João Gilberto e Stan Getz, e conquistou sucesso paralelo ao de Carmem, com seus memoráveis discos produzidos pelo Creed Taylor, com arranjos de Gil Evans, Johnny Mandel, Don Sebesky e Eumir Deodato, entre outros. É incrível que, depois de mais 40 anos, sempre atuando em 'low profile', com uma vida pessoal discretíssima e sem fazer shows por aí, Astrud ainda tenha todos os seus discos em catálogo nos Estados Unidos e no Japão. Para mim, mesmo com sua pouca voz e afinação por vezes questionável, Astrud é a eterna rainha 'cool' da música brasileira no exterior.

O quadro mais recente desta disputa envolve cantoras apetitosas, que merecem a minha permanente torcida. Nara Leão, nas mãos de Menescal, parece ter aberto o mercado japonês, onde, apesar de sua prematura passagem, deixou uma marca que certamente propiciou um pé sadio para a música brasileira entre os nipônicos - hoje representado por Wanda Sá e Joyce, sem contar com as incursões da nissei Lisa Ono.

Há também o filão inglês, onde começaram a samplear muita música brasileira, o que atraiu compositores e cantores de boa cepa, onde pontua a nossa grande Joyce e onde até a nossa grande maestrina Celinha Vaz consegue penetrar, com a sua sensibilidade e beleza.

Disputando o filão nos Estados Unidos de hoje, lembro o esforço da filha de Teresa Souza e Walter Santos, Luciana Souza, uma das agraciadas no 'poll' da Downbeat. Lembro a desorientada Eliane Elias, que deixou uma brilhante carreira de pianista em segundo plano para tentar uma posição 'diana-kraliana' insustentável. Lembro a dona de belíssima voz, Bebel Gilberto, perdida em bobagens como 'drum'n'bass bossa'. Há mais alguém que valha a pena lembrar?

Dizem que a Gal Costa pretende lançar um disco de standards americanos. Que Deus nos proteja!